Что такое раскадровка и зачем она нужна
Чем занимаются раскадровщики?
Что такое раскадровка, как она возникла и как ее используют известные режиссеры? Рассказываем об этом вместе с документалками Pixar, Disney и интервью с режиссерами. Делимся полезными материалами по теме.
Художники-раскадровщики, они же сторибордисты — одни из самых искусных иллюстраторов, работающих в Голливуде. Они должны уметь быстро выдумывать «из головы» множество объектов, они же часто выступают в роли концепт-художников и кинематографистов. Раскадровщики с их точностью и восприимчивостью очень сильно влияют на то, какую форму в итоге обретает фильм.
Раскадровки используются повсеместно, особенно в высокобюджетных фильмах со спецэффектами, чтобы получить четкое представление о сцене до того, как ее начнут снимать. Это экономит время и деньги. Но такая практика не всегда была широко распространена.
Раскадровка — это последовательность кадров, которые в конечном счете станут фильмом. На примере ниже одна из раскадровок к фильму «Мулен Руж» База Лурмана. Показана сцена Diamonds are a girl’s best friend.
У истоков раскадровки стоял режиссер Уолт Дисней.
Раскадровщик не обязан быть мастером уровня Микеланджело. Ему не нужно быть выдающимся живописцем или аниматором, но он обязательно должен разбираться в коммуникации.
У истоков раскадровки в 1920-х гг. стоял Уолт Дисней, создавший таким образом Микки Мауса. Впоследствии он использовал раскадровку при создании всех своих работ. Раскадровка считается относительно недорогим и эффективным инструментом тестирования и развития визуальной истории. Оказалось, что намного дешевле добавить еще один этап простой визуализации между сценарием и съемками или анимацией, чем тратить финансы на переделку готового видеоряда.
В нашей студии мы не пишем истории. Мы рисуем их.
Кинематограф быстро сообразил, что раскадровка — один из ключевых методов, которые помогают Диснею выпускать выдающиеся произведения, и тоже начал пользоваться ею как простой первичной формой визуализации истории.
В кино раскадровка решает практические задачи: с ее помощью съемочная команда понимает, как установить камеры, какие выставить декорации, как расставить актеров, какие спецэффекты использовать и т. д. В мультипликации раскадровка используется больше как инструмент повествования и развития характеров. Обычно в раскадровку помещают минимально необходимую информацию. Ее должно быть достаточно, чтобы быстро считать события в сцене и эмоциональное настроение.
Ещё Альфред Хичкок говорил, что раскадровщик — всегда хороший рассказчик. Очень часто раскадровщики умеют мастерски презентовать свои проекты, используя элементы актерской игры и разговаривая на разные голоса. Сам Уолт Дисней прекрасно отыгрывал сцены такие сцены: читал по ролям, говорил голосом старика.
Некоторые раскадровки Диснея были сделаны за много лет до выпуска соответствующих мультфильмов, на ранней стадии созревания идеи.
В этом видео директор Pixar Джон Лассетер делится закулисным пониманием того, что делает для студии современный художник-раскадровщик:
Как поясняет Лассетер, раскадровщик рисует отдельные кадры и выстраивает их в определённой последовательности на доске, неоднократно все меняя и переделывая. Хорошая раскадровка подразумевает баланс между композицией, актерским и писательским мастерством, съёмочным процессом и т.д.
Готовую раскадровку художник презентует режиссеру. Очень часто именно во время этой презентации режиссеру приходят в голову ключевые идеи фильма. Затем раскадровщик возвращается к себе и всё переделывает заново, а потом ещё раз, и еще, и так пока повествование не сложится окончательно. В конце видео показан пример артистичной презентации раскадровки.
У Спилберга спрашивают, сам ли он делает раскадровки, и отклоняется ли от них компанда в процессе создания фильма. Спилберг признается, что сам рисовать не умеет, поэтому обычно сотрудничает с художником-раскадровщиком, которому подробно объясняет, какие объекты и где именно следует расположить в кадре, какого цвета они должны быть и т.д. Сначала делается чёрно-белый вариант, потом цветной, хоть это и требует времени.
Время у Спилберга есть — он работает над каждым фильмом около двух с половиной лет, из них полгода тратит на создание раскадровки. Как такового окончательного варианта раскадровки, которому он педантично следовал бы в ходе съемок, у режиссёра нет.
Художник-раскадровщик присутствует с ним на съемочной площадке и воплощает в новых кадрах все идеи, которые приходят в голову Спилбергу уже на месте.
Ридли Скотт, лауреат многочисленных премий, также рассказал о том, какую роль раскадровки играют в творческом процессе и на съемочной площадке.
По мнению Скотта, раскадровка — это первый взгляд на фильм. Режиссер любит созерцать красивые места, в том числе индустриальный пейзаж, и отмечать игру света, чтобы потом отразить это в раскадровке. При взгляде на локацию Скотту часто приходит в голову идея какой-нибудь сцены для фильма. Режиссер получил основательное художественное образование, которое обеспечило ему понимание работы декораторов, художников по костюмам, раскадровщиков и т.д.
Благодаря привычке постоянно делать наброски по мере появления новых идей на площадку Скотт приходит, уже точно зная, что будет делать. Из режиссеров, много внимания уделявших раскадровке, он упоминает Хичкока. Скотт подчеркивает, что от финальной раскадровки можно отклоняться. Режиссер часто возвращается к уже отрисованным кадрам и вносит в них изменения. Он считает, что раскадровка похожа на комикс, а в раскадровщике есть что-то от писателя. Скотт не любит и не использует раскадровки, созданные с помощью компьютера.
Тогда советуем видео «Введение в раскадровку». Оно хорошо раскрывает все основы.
Нет жестких правил, как делать раскадровку, но она должна рассказывать историю, и сюжет должен быть понятным. Раскадровка — это что-то вроде технической документации к фильму. Даже если у вас проблемы с перспективой или с рисованием вообще, вы всё равно сможете выразить в раскадровке, каким хотите видеть соответствующий фрагмент фильма.
Раскадровщики работают в тесной связке с режиссером, операторами и художниками- постановщиками. Скетчи выполняются сначала примитивно, потом детализируются. Каждый рисунок показывает, что видит камера с таким же соотношением сторон.
Очень важно выгодно разместить в кадре героя. Это может показаться очевидным, но именно этот фактор оказывает огромное влияние на процесс съемок, так как дешевле подготовить с десяток раскадровок, чем переснять сцену. Раскадровкой можно передать ракурс, освещение, глубину резкости, даже то, как будет выглядеть окружение.
Движения персонажей, перемещения объектов и камеры, а также зум в раскадровке показывают стрелками.
Подробная раскадровка экшен-сцен помогает понять, какими средствами его лучше воплотить в фильме. Для фильмов с выразительным визуальным рядом, вроде «Безумный Макс: Дорога ярости», раскадровка — это уже готовый сценарий.
В качестве альтернативы раскадровкам можно использовать фотографии, как это делал Стэнли Кубрик, или комиксы, по которым снимается фильм. Также часто для предварительной визуализации используют другие видео. Например, для превизуализации некоторых сцен из «Звёздных войн» Джордж Лукас использовал видеозаписи реальных воздушных боёв времён Второй мировой войны. На этом список возможных референсов для экшена не заканчивается: часто обращаются к мультипликации, технике захвата движения и т.п.
Конечная цель всех этих активностей — это создать четкий план будущего фильма и понятно донести его до всех участников. И раскадровка с этим очень помогает.
Очень советуем книгу Framed Ink. Она пригодится всем, кто хочет изучать визуальное повествование.
Здесь можно изучить, как выглядят раскадровки к разным фильмам, и как их реализовали потом при съемках.
Также предлагаем вам подписаться на этих художников:
Текст написан специально для Smirnov School, онлайн-школы, где готовят концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Связаться с нами можно на сайте. Скажите, что пришли с DTF, и мы с радостью предоставим вам приятную скидку.
В рекламной индустрии, кстати, при подготовке к съемкам рекламных роликов практически всегда рисуется две раскадровки.
Бывает, что ролик необходимо протестировать на фокус-группах, в таких случаях делается аниматик: анимированная версия бордоматика, где уже приводятся в движение камера, персонажи, применяются какие-то монтажные склейки и прочее. В таком случае может возникнуть необходимость в более детальной прорисовке раскадровки, «огурцы» тут не прокатят. И в зависимости от скилла арт-директора, раскадровку для аниматика он может нарисовать сам, либо передать задачу иллюстратору.
Когда же сториборд утверждён и выбран режиссер для съемок, рисуется вторая более подробная раскадровка уже командой режиссера. Во время съемок режиссерская раскадровка вешается на специальные стенды в двух видах: в классическом, где все кадры идут друг за другом в правильном порядке; и в том порядке, в котором эти кадры будут сниматься. Помогает проследить за статусом съемок, а также гарантирует, что весь материал будет отснят.
Зачем нужны раскадровки
Откуда режиссер знает, как именно снимать ту или иную сцену? В работе ему помогают раскадровки – наборы картинок, в которых все детали происходящего продуманы и прорисованы заранее
Хотя визуально раскадровка (от англ. storyboard – букв. «рассказ на доске») действительно похожа на комикс, в ее основе лежат все же не комиксы, а мультфильмы. Первопроходцем сторибординга стал Уолт Дисней. Свои первые работы легендарный аниматор рисовал без раскадровок, но со временем понял, что делает слишком много ошибок в планировании сюжета, и перерисовка некоторых сцен «с нуля» дорого ему обходится. До конца 20-х годов на студии Диснея, как и везде, использовались обычные эскизы-зарисовки. Однако этот метод, обкатанный авторами немой анимации и театральными режиссерами (например, Станиславским и Брехтом), страдал одним существенным недостатком: он не давал ощущения достаточного погружения в сюжет.
Однажды аниматор Уэбб Смит, входивший в студийную команду, выступил с креативным предложением. Идея состояла в том, чтобы продумать сцену заранее и зарисовать ее ключевые кадры, которые затем развесить на доске в виде своего рода «диафильма». Диснею рацпредложение понравилось – теперь каждому было понятно, как будет выглядеть сцена целиком, и аниматоры могли работать «в унисон», не консультируясь лишний раз друг с другом. Кроме того, появилась возможность проводить «мозговые штурмы» и коллективно обсуждать, какая последовательность сцен будет лучше всего работать: куда лучше всего помещать флешбэки и в каких местах уместней всего переключать внимание зрителей с одной сюжетной линии на другую. Картинки тасовались и менялись местами на доске, пока не достигался идеальный результат.
Это разложение истории на кадры, названное «раскадровкой» и впервые, как считается, опробованное в мультфильме 1928 года «Безумный самолет», было удобно тем, что позволяло на раннем этапе выделить ошибки и плохо работающие идеи и переделать их. Начав с превизуализации отдельных сцен, казавшихся Диснею наиболее сложными, автор Микки Мауса скоро пришел к выводу, что еще лучше «прорабатывать» таким образом весь мультфильм целиком – это не только дополнительно ускорит работу над ним, но и повысит общее качество продукта. Первым короткометражным мультфильмом, целиком зарисованным в виде такого «комикса», стали «Три поросенка», потом эта практика стала на студии обязательной – Дисней даже учредил отдельный департамент для «раскадровщиков», решив, что разделение труда позволит каждому художнику заниматься своим делом более эффективно. Вскоре новшество переняли конкуренты в лице компании Уолтера Ланца, а к концу 30-х без раскадровок уже не обходилась работа ни одной голливудской анимационной студии. Более того – режиссеры игрового кино смекнули, что им сторибординг тоже мог бы быть весьма полезен: метод с успехом был применен на производстве «Унесенных ветром» и с тех пор стал полноправным элементом кинопроцесса.
Художник Лайл Р. Уилер с раскадровками к фильму «Унесенные ветром»
Раскадровки стали использоваться также в рекламном бизнесе, позволяя заказчикам видеороликов представить себе общий визуальный план будущего видео. Зарисовкой сюжетов своих книг стали заниматься даже писатели: от перетасовки сцен и глав интересность и эффектность сюжета возрастали, к тому же любое событие было описать проще, когда автор визуально представлял себе локацию и расположение на ней персонажей в разные моменты времени. (В этом, конечно, нет ничего странного: когда художник Пикассо впервые увидел наскальную живопись древних людей, где сцены охоты было собраны в последовательность раскадровок, то со смешком признал, что «современники не изобрели ничего принципиально нового», они лишь отряхнули от пыли идеи своих предшественников).
В кино же новинка стала в следующие годы вещью поистине незаменимой – уже хотя бы потому, что она позволяла выявить все потенциальные проблемы и технические сложности на этапе планирования. Художник рисовал раскадровку под присмотром режиссера, стараясь передать его видение каждой сцены. Затем в дело вступал оператор и критиковал те моменты, которые, на его взгляд, было технически невозможно воплотить (например, большой размер камер не всегда позволял втиснуть их в то или иное пространство). Сцена перерисовывалась до тех пор, пока результат не начинал выглядеть достижимым – позже, на съемках, его оставалось только перенести на пленку. Впрочем, бывало и так, что режиссер упорно настаивал на «невозможных» ракурсах, и оператору приходилось напрячься, чтобы придумать, как их снять. Например, так поступил Орсон Уэллс, когда делал «Гражданина Кейна», и путем многочисленных экспериментов его идеи все-таки удалось реализовать.
Ввиду существования подобных прецедентов некоторые скептики не приемлют повального увлечения раскадровками: они считают, что авторы часто сами «подрезают себе крылья», сознательно отказываясь от поиска новых путей и стараясь полагаться только на проверенные ходы. С другой стороны, экономия времени и денег была всегда немаловажным фактором при производстве кино, а раскадровки очень хорошо помогают снизить связанные с этим риски. Сторибординг позволяет также заранее отказаться от эпизодов, непомерно утяжеляющих бюджет: если реализация каких-то сцен, по мнению оператора, требует слишком больших финансовых вложений, их предпочитают вычеркнуть сразу.
Временами, впрочем, режиссер сам набрасывает раскадровки прямо на полях сценария – этих малюсеньких картинок величиной не больше ногтя (за что они получили название «иконок») ему и оператору часто оказывается достаточно для дальнейшей работы, и более профессиональные художники к делу не привлекаются. С другой стороны, постановщики, для которых очень важна визуальная составляющая и стиль будущей ленты, готовы идти гораздо дальше, нанимая профессионалов из мира комиксов – так, например, братья Вачовски попросили сделать раскадровки для своей «Матрицы» иллюстратора Джефа Дэрроу, славящегося запредельной детализацией всех своих графических романов. Дэрроу не просто перенес сценарий на бумагу, но и придумал визуальные концепции для многих локаций и персонажей, поскольку сами авторы подчас не имели понятия, как все это должно выглядеть. Сегодня странички из тех раскадровок периодически всплывают на интернет-аукционах и стоят немалых денег, поскольку на бумаге они существуют в весьма ограниченном количестве экземпляров и в виде комикса никогда не издавались. С дугой стороны, такие фильмы, как «Город грехов» и «Хранители», неплохо сэкономили на сторибординге, поскольку их режиссеры посчитали, что лежащие в основе сюжетов одноименные графические романы сами по себе являются идеальными раскадровками.
Раскадровки к фильму «Город грехов»
Сториборды хороши тем, что заранее прописывают «правила игры» для каждой сцены: углы съемки, композиция, освещение, движения персонажей в кадре (дополнительно обозначаемые стрелочками) – все это снимает необходимость объяснять каждому участнику киногруппы режиссерский замысел и исключает разночтения. Вместе с тем хотя раскадровка – достаточно эффектное визуальное воплощение сценария, это все же пока еще не кино. Фильммейкеры всегда искали способы сделать сториборды более «живыми», и технический прогресс периодически подбрасывал им такие возможности. В 40-е годы идея раскадровок получила развитие в т.н. «аниматиках» – сценах, смонтированных из рисованных кадров, на которые накладывалась музыка и даже живые диалоги, записанные заранее. Это не только позволяло потенциальному инвестору погрузиться более полно в «настроение» будущей ленты, но и самим авторам давало возможность оценить, насколько хорошо и удачно визуальные элементы работают в связке со звуковыми.
Давно замечено, что здобавление звука делает любое изображение гораздо выразительней – поэтому аниматики с саундтреком обрели в Голливуде широкую популярность. Конечно, это не тот звук, который зритель в итоге услышит в фильме. «Черновые» диалоги (т.н. scratch sound) записываются в студии в чисто презентационных целях, для этой работы не принято привлекать знаменитостей, и персонажей часто озвучивают студийные работники либо их родственники и друзья. Раскадровки для анимационных проектов нередко рисуются еще до написания сценария, и только если студия одобрит идею, происходит наем скриптрайтера, а на этапе постпродакшена к делу привлекаются и реальные кинозвезды, переозвучивающие диалоги. При этом не всегда переделывается весь саундтрек: если студийный работник, озвучивший кого-то из второстепенных персонажей, неплохо справился с задачей, его реплики могут оставить, а его самого даже впишут в титры. Любопытно, к слову, что изобретателем аниматиков стал опять же не кто иной, как Дисней – именно он первым придумал снимать раскадровки на камеру Leica и подкладывать под них саундтрек (поэтому первые годы аниматики были известны как Leica reels – букв. «лейкины катушки»).
В зависимости от дороговизны проекта кинорежиссер может заказать раскадровки для всего фильма, для наиболее важных сцен или вовсе постараться обойтись одним голым сценарием. Но в анимации раскадровки по-прежнему крайне важны, поскольку там каждая ошибка обходится гораздо дороже. Большую проблему создают удаленные сцены: изначально на них тратится время и деньги, как на любые другие сцены, а в финальную сборку картины они не попадают, что фактически означает выброс ресурсов на ветер. Вырезанная сцена длиной в несколько минут означает потерю нескольких месяцев аниматорского труда. Чтобы таких промахов не происходило, все, что может оказаться «лишним», стараются выбросить из фильма заранее, раскадровки же помогают понять, какие именно сцены имеют все шансы быть выброшенными. Впрочем, аниматики, как более «живое» воплощение сценария, все еще могут пригодиться – их иногда добавляют в раздел «дополнительных материалов» на DVD, чтобы раскрыть полноту изначального режиссерского замысла, либо вставляют кусочками в документалки о создании картин.
Анимированные раскадровки хороши еще и тем, что там присутствует какая-никакая операторская работа: в отличие от статичных картинок, при создании аниматиков можно имитировать проезд камеры вдоль кадра и зуммированные «наезды» на рисованных персонажей – вкупе со звуком все это смотрится довольно живо. Еще дальше идут авторы рекламных роликов, которые снимают раскадровку в виде короткой и недорогой фотоистории – такие «заготовки», предъявляемые заказчику, выглядят еще более реально, чем рисованные картинки, и максимально приближены визуально к предполагаемому результату. Называют их «фотоматиками».
В последние годы, когда монтаж делается на компьютере, креативных возможностей стало еще больше: часто рекламщики и фильммейкеры просто надергивают пачку подходящих видеокадров из чужих фильмов, монтируют их таким образом, чтобы из этой солянки получилось нечто вроде трейлера, и показывают заказчику со словами «вот примерно так у нас все будет выглядеть». Прием получил название «рипоматик» (rip-o-matic, от слова rip – «сдирать»). Первым его использовал Джордж Лукас еще в доэлектронную эпоху, используя видеомагнитофон: когда нужно было показать инвесторам масштаб космической битвы, задуманной для «Звездных войн», режиссер нарезал свой презентационный «рипоматик» из сцен самолетных сражений, взятых из фильмов о Второй мировой войне. Примерно в то же время друг и коллега Лукаса, Фрэнсис Форд Коппола, провел другой смелый эксперимент: для мюзикла «От всего сердца» он распорядился подробно отрисовать сценарий, потом отсканировал все 1800 получившихся рисунков и наложил их на заранее записанный саундтрек (куда вошла музыка и диалоги со звуковыми эффектами). Таким образом, у Копполы на руках оказался «иллюстрированный радиоспектакль». По мере съемок постановщик заменял рисованные куски игровыми – и когда все картинки превратились в видео, картина была готова. К сожалению, дорогостоящий эксперимент не оправдал финансовых затрат: из-за раздувшегося бюджета фильм провалился в прокате, и следующие полтора десятилетия Коппола брался за любую работу, лишь бы только раздать долги.
Бумажные раскадровки правили бал в Голливуде аж до 90-х годов, пока не наступила эра компьютеров. Первые попытки компьютерной превизуализации (или просто «превиза») делались несколько раньше, в 80-е, в фантастике типа «Стар Трека» и «Бездны» (в последнем случае к делу были привлечены разработчики видеоигр как наиболее продвинутые в компьютерном моделировании люди), но всерьез эту возможность индустрия стала рассматривать только после выхода «Парка Юрского периода». Начиная же с экшена «Миссия: Невыполнима» стало нормой программировать превизуализацию целых сцен на компьютере. Метод переняли многие режиссеры, а раскадровки стали утрачивать свою передовую иллюстративную функцию, поскольку, очевидно, новые технологии подчас обладают куда большим потенциалом – было бы время и деньги. Сегодня для рисования сторибордов чаще уже используется не бумага и тушь, а специальные программы типа Photoshop или FrameForge 3D Studio и электронные планшеты Wacom. Сторибордеры все чаще выступают вольнонаемными фрилансерами на службе у иллюстраторских агентств. А сам сторибординг в эпоху динамичных блокбастеров постепенно вытесняется «диджиматиками» (т.е. «цифровыми аниматиками») – моделируемыми на компьютере трехмерными сценами, позволяющими увидеть задуманный сценаристом эпизод в движении, чего плоская картинка дать не может при всем желании. Хочешь не хочешь, современные комикс-блокбастеры требуют более продвинутых техник.
Помимо прочего, трехмерный цифровой аниматик удобен тем, что показывает смоделированные сцены точно так, как они будут выглядеть сквозь линзу камеры. Это позволяет программировать разные кадры под разные линзы, так что фильммейкеры заранее в точности могут просчитать конечный результат и выяснить, какими объективами им следует запастись, чтобы получить искомое. У технологии есть и минусы: такая превизуализация все еще выглядит грубо, и в кадре чаще всего взаимодействуют трехмерные куклы-болванки без отличительных знаков. Зато таких кукол не нужно программировать с нуля, т.к. они поставляются в наборе образов-заготовок вместе с программой. Примитивность фигур, закладываемых в библиотеку программы, объясняется еще и тем, что их рендеринг занимает меньше времени – а чтобы оценить общую динамику и композицию экшен-сцены, режиссеру вполне достаточно и такой простенькой превизуализации. Уже на этом этапе можно запрограммировать «проезд» камеры по помещению и понять, что именно попадет в кадр, а что нет. Это позволяет впоследствии сэкономить на реквизите – строить и украшать не целые декорации, а только те их части, на которые будет направлен взгляд камеры. Позже, когда сцена уже снята, авторы действуют методом Копполы и пошагово заменяют элементы анимационной превиз-заготовки отснятым материалом, превращая «виртуальную» сборку картины в последовательность готовых видеокадров.
Что ожидает сторибординг в будущем? По-видимому, в Голливуде бумажные раскадровки вскоре будут окончательно вытеснены цифровыми: ведь цифровые копии гораздо легче редактировать, размножать и пересылать, чем бумажные. Но как инструмент художника раскадровка не исчезнет, как не исчезла фотография с появлением видеокамер. Сегодняшние кинопроекты показывают синергетическое сочетание разных техник превизуализации. Иначе говоря, при производстве кинолент используется все подряд – раскадровки, фотографии, рипоматики, цифровое видео и клипарты, карандашные скетчи и полноцветные концепт-арты, motion capture и компьютерная 3D-анимация… Каждый способ имеет свои преимущества и недостатки в плане скорости, эффективности и стоимости, и сторибординг по-прежнему остается одним из самых популярных методов на этом поле (особенно когда дело касается постановок с ограниченным бюджетом). Аниматики активно используются на производстве мультсериалов в США и Японии, многие небольшие рекламные фирмы по-прежнему делают превизуализацию своих роликов карандашом на бумаге.
Да что говорить, даже живой классик 2D-анимации Хаяо Миядзаки не считает зазорным садиться и самолично отрисовывать раскадровки для всех сцен каждой своей картины. «Фабрика грез», конечно, не устанет задавать новые тренды, но покуда технологию поддерживают такие влиятельные личности, она точно продолжит оставаться «в игре». А используется ли в процессе бумага или электронный планшет – это в конце концов всего лишь дело вкуса.