Что такое сведение что такое мастеринг

Что такое профессиональное сведение и мастеринг трека

06 октября, 2019

Что такое сведение трека?

Качественное звучание Вашего произведения – это полпути к успеху. И порой для того, чтобы добиться такого звучания, требуется вложить времени ещё больше, нежели чем на написание самой композиции. Так что если Вы уже прошли огонь, то теперь нам предстоит вода и медные трубы – сведение музыки. Что это такое, из каких этапов состоит процесс доведения записей до качественного звучания, какие существуют приёмы и особенности, мы рассмотрим в данной статье.

Итак, в программе обработки звука, у Вас есть некоторое количество звуковых дорожек. Обычно, каждая из них – это партии определенного инструмента, добавленные сэмплы или живые записи.

Ключевые этапы сведения

Предлагаем рассмотреть процесс сведения и мастеринга музыки более детально. Начнём со сведения. Во-первых, советуем особо не заниматься регулированием громкости, панорамы, эффектов и прочего до данного этапа. Сначала сфокусируйтесь на творчестве, а со звуком разберётесь потом. Но вот у нас есть готовый музыкальный набросок, состоящий из разных дорожек – что с ним делать?

Первый этап – баланс

Первым этапом мы должны достигнуть “звукового дзэна”, то есть баланса громкости всех элементов. Здесь мы соотносим их между собой, понимая, какие хотелось бы выделить и сделать громче, вывести на первый план, а какие выполняют второстепенную, вспомогательную роль, или задают общую атмосферу. Восточная мудрость говорит о том, что дорожек множество, а Путь один. Это означает, что каждому – своя громкость.

Второй этап – панорамирование

На втором этапе, отрегулировав громкость, мы занимаемся определением расположения всех дорожек в виртуальном пространстве, то есть панорамированием. Обычно современные композиции записываются в стерео-формате (за исключением музыки к фильмам, играм или интерактивным шоу). Это означает, что Вам предстоит какие-то звуки оставить в центре, а некоторые слегка или полностью сместить вправо или влево. Когда элементы правильно размещены по пространству композиции, то каждый находится на своём месте, и они не забивают друг друга, то есть лучше различимы для слушателя. В целом, принято основной барабан, партии баса, лидирующий инструмент, а также вокальные записи, размещать по центру, в то время как остальным звукам находят место, отличное от центра.

Есть ещё специфика психоакустических эффектов, позволяющих, играясь с фазовыми сдвигами частот, смещать инструменты не только вправо или влево, но и «вниз» и «вверх» (посмотрите, к примеру, VST – плагин PSP Pseudostereo). Панорамирование – ключ к созданию объёмного звучания.

Третий этап – динамическая обработка

Третий шаг мы совершаем в сторону динамической обработки. Обрабатывая растения, порой их требуется «подкормить» витаминами, и они начинают расти и плодоносить. Также и с дорожками. Есть такие технологии в нашем распоряжении, как компрессор, флэнжер, хорус, фэйзер и другие. Все они являются эффектами, позволяющими достигать необычного, креативного или просто адекватного звучания инструмента.

Конечно, с каждым из них стоит быть аккуратным, ведь можно сделать звучание дорожки плоской или наоборот, избыточно объёмной. Компрессия позволяет выровнять звучание по громкости или создать эффекты, связанные с динамикой инструмента. Остальные вышеперечисленные эффекты построены на игре с фазами и частотами, позволяя добиться нестандартного и нелинейного проявления звучания.

Четвертый этап – эквализация

Как усилить полезное и отбросить ненужное в треке? Конечно, используя эквализацию. Это наш четвертый шаг. Эквалайзер – это устройство, позволяющее регулировать частоты обрабатываемого материала – поднять одни и заглушить другие. Нам необходимо убрать лишние призвуки, резонансы, а также избежать конфликтов, когда одни элементы могут частотно перекрывать другие.

Сейчас существуют отличные программы в формате VST-плагина (вроде TDR Nova), позволяющие осуществить задачу эквализации инструмента на автоматической основе. Плагин в течении нескольких секунд вслушивается в проигрываемую дорожку и автоматически корректирует негармоничные частоты. По опыту можем сказать, что очень много резонансов располагается в районе 500 и 800 Гц, 1-2, 4 и 6-8 кГц.

Пятый этап – пространство

На пятом этапе мы обсуждаем вопрос пространства и времени. Нет, речь ни о квантовой физике. Мы работаем с реверберацией, то есть формируем пространственный объём инструменту – он находится у нас в комнате, холле, храме, пещере, или, может быть, под водой? В то время, как эффект дилэя (delay), позволяет создавать эхо, то есть задержки во времени, которые могут быть произвольными или подчиняться ритму композиции. Этот этап крайне важен, так как позволяет «скрасить» инструменты, добавить им особого объёма.

Шестой этап – эксперимент

Крайний шаг в этапе сведения – это нелинейная обработка. Речь идёт о нестандартных, интересных эффектах, которые Вы можете регулировать ручками midi-клавиатуры по ходу пьесы. Так, может меняться пространство реверберации, панорама перемещаться то влево, то вправо и так далее. Экспериментируйте! Интересные эффекты всегда запоминаются и выделяют Вас из толпы.

Седьмой этап – коррекция

И, конечно, отметим, что после завершения одного этапа сведения, Вы можете возвращаться на время к предыдущим. Это происходит ввиду того, что, к примеру, наложенный эффект изменит его громкость, и её придётся регулировать повторно. Сведение – живой процесс, он обладает некоторыми алгоритмами, но всё же в центре него располагаетесь именно Вы.

Что такое мастеринг?

Итак, что такое мастеринг трека и чем он отличается от сведения? Когда сведение готово, мы приступаем к финальной обработке аудио – файла, то есть работаем уже не с отдельными дорожками, а с готовым соединенным воедино материалом. Это и называется мастерингом, в ходе которого достигается должный уровень трека, приемлемый для выпуска на цифровых и физических носителях. Используются эффекты для мастеринга музыки. В большинстве случаев звукорежиссеры используют многополосный компрессор/лимитер, многополосный эквалайзер, психоакустический процессор или расширитель панорамы, плагин для дизеринга и другие эффекты. За мастерингом обычно обращаются к профессионалам, так как процесс требует определённых знаний, дорогостоящего оборудования и качественного помещения.

Но при большом таланте и опыте, мастеринг можно сделать и в домашних условиях.

Имеется специфика мастеринга треков, связанная со стилем музыки, а также носителем, на котором будет издан материал. Для цифровых продаж необходимо одно звучание, для виниловых пластинок – другое. Громкость и эквализация финального микса классической музыки значительно отличается от танцевальной электронной, и так далее. В центре внимания – среднеквадратическая громкость (RMS), то есть то, насколько громко звучит композиция.

В последние пару десятилетий она всё повышается и повышается, многие мастеринг – инженеры стараются сделать музыку звучащей настолько громко, насколько это возможно, что, к сожалению, сильно отражается на динамике и качестве композиций. В отличии от коммерческой музыки, на радио и телевидение данная проблема решена при помощи стандартов громкости, которая меряется параметрами True Peak и LUFS.
Есть также понятие пред-мастеринга, когда Вы доводите звучание до в целом приемлемого уровня при помощи компрессии или лимитера и косметических правок эквалайзером. Такой вариант оптимален для общего прослушивания или направления трека музыкальному лейблу.

Важные выводы

Для начала, советуем ориентироваться на качественные коммерческие записи, которые Вам нравятся (так называемые «референсы»). Сопоставьте частотный диапазон, громкость и другие параметры Вашей композиции и тех, на которые ориентируетесь. Набравшись опыта, можно прийти к собственному звучанию, уникальному и выделяющему из списка музыкантов.

Если Вы хотите глубже познать процесс, занимаясь с профессиональным преподавателем и получить сертификацию, то можете обратиться в Stereoschool, где предоставляются курсы сведения и мастеринга, а также помощи в доработке произведений и поддержке в написании и издании музыкальных альбомов.

Ждем вас на наших занятиях. Подарок каждому студенту – журнал о music production “Future Music”

Источник

Мастеринг и сведение. Советы и общие принципы

Общие принципы сведения

Несмотря на то, что в сведении всегда есть поле для творческих экспериментов, существуют общепринятые правила и техники, с которыми стоит ознакомиться прежде чем начинать нарабатывать свой собственный стиль сведения.

Распространенные ошибки при сведении

Вот краткий список вещей, которые не стоит делать при сведении:

Сведение музыки. Пошаговая инструкция

Сведение – это не только искусство, но и ключевой этап, который превращает набор дорожек в законченное музыкальное произведение. Хороший микс поможет выявить в музыке все самое лучшее – подчеркнуть наиболее важные элементы композиции, добавить какие-нибудь сюрпризы, чтобы порадовать слушателя, а также, хороший микс будет прилично звучать на любом оборудовании, от моно радиоприемника до безумного аудиофильского комплекта аппаратуры.

Теоретически, сведение музыки должно быть простым: просто настраиваем регуляторы, пока все не зазвучит так, как надо. Однако, хорошего звучания практически невозможно добиться случайно. Сведение – такой же сложный процесс, как игра на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться, что же такое сведение и попробуем как-то структурировать этот процесс.

Точка отсчета

Начать сведение трека можно с прослушивания идеально, на ваш взгляд, звучащих, музыкальных примеров, желательно в том же или похожем музыкальном стиле. Фокусируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Обратите внимание, что даже в очень плотном миксе вы можете различить партию каждого инструмента, поскольку она находится в своем пространстве. Также обратите внимание на равномерность частотного баланса: высокие частоты должны звучать ярко, но не пронзительно, а бас должен быть убедительным, но не загрязняющим и не маскирующим остальные звуки. Также запомните относительный уровень основных инструментов, таких как ударные и вокал.

Уровень мониторинга

Сведение на высокой громкости утомительно для ушей. Сведение музыки на низкой громкости позволяет дольше сохранять уши свежими и минимизирует усталость. Самый идеальный вариант – периодически менять уровень громкости при сведении, чтобы лучше представлять, как микс ведет себя на разных громкостях.

Сводить в наушниках может показаться хорошей идеей, так как они избавляют от внешнего шума и хорошо выявляют детали, но лучше прибегать к ним для проверки чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах. Это связано с тем, что, во-первых, наушники склонны слишком все преувеличивать, а во-вторых, в них сложно адекватно настроить стерео-картину.

Аранжировка

Перед тем как приступать к сведению, внимательно изучите аранжировку. Поймите, какие места могут быть проблемными, какие нужно подчеркнуть, что в этой композиции главное, что второстепенное, и так далее. Не будет лишним составить что-то вроде “to do list”.

Сведение музыки: инструкция в 12 шагов

Хотя четких правил сведения музыки не существует, пока у вас не выработался свой собственный стиль сведения, есть смысл использовать некоторые ориентиры. В процессе сведение вы выполняете множество настроек. Есть как минимум двенадцать основных шагов, которые надо пройти в процессе построения микса. Разумеется, разделение условно и эти «шаги» постоянно пересекаются. Например, изменяя какую-то настройку эквалайзера, вы тем самым воздействуете на громкость.

Давайте же рассмотрим эти двенадцать шагов.

1. Ментальная подготовка

Процесс сведения может быть долгим, поэтому подготовьте для себя удобное рабочее место. Если у вас нет хорошего компьютерного стула с поддержкой спины – купите его, здоровье дороже. Приготовьте лист бумаги для заметок. Приглушите свет, чтобы вниманию было проще сосредоточиться на звуке. Не курите марихуану в процессе сведения и перед ним.

Делайте перерывы (каждые 45 – 60 минут), чтобы дать ушам отдохнуть. Это может показаться роскошью, если вам платят за студийное время, однако, даже пара минут отдыха восстановит объективность вашего восприятия, и, в результате, на весь процесс сведения уйдет меньше времени, как ни парадоксально это звучит.

2. Организация треков

Подпишите все треки и каналы (не важно, в софте вы сводите или на железном микшерном пульте). Организуйте и упорядочите их логически. Это сэкономит массу времени и сделает процесс сведения более комфортным. Если треков много, правильность и удобство группировки – это критически важный этап.

3. Наденьте наушники и удалите щелчки

Удаление щелчков требует активности левого полушария мозга, в то время как творческий процесс сведения – это работа правого полушария. Смешивание этих процессов может препятствовать творческой активности, поэтому всю рутинную работу лучше выполнить сразу, чтобы потом не возвращаться к ней. Кстати, эту часть работы как раз лучше выполнять в наушниках.

Также есть смысл понизить шум на тех дорожках, где это реально. Артефакты звукового тракта могут показаться незначительными на отдельных треках, однако в сумме они могут стать заметными, что не есть хорошо.

4. Оптимизируйте все источники звука.

Если в вашем треке используются синтезаторы, постарайтесь настроить их звучание на как можно более раннем этапе. К примеру, не стоит подключать внешние эквалайзеры, если достаточно подкрутить filter cutoff.

5. Баланс громкостей

Не надо добавлять никаких эффектов и обработки, пока не настроен общий приблизительный баланс громкостей – не позвольте левому полушарию помешать творческому процессу! Попробуйте включить моно режима для всех треков. Если инструменты звучат хорошо сбалансировано в моно – в стерео они только выиграют. Также, если вы будете сразу работать в стерео, вы можете не заметить частотные и громкостные конфликты между инструментами.

6. Настройка эквалайзеров

Эквалайзеры могут помочь подчеркнуть различия между инструментам и улучшить звуковой баланс. В первую очередь поработайте с наиболее важными элементами микса (вокал, ударные, бас), и, когда они будут хорошо звучать вместе, переходите ко второстепенным вещам.

Частотный диапазон ограничен, и в идеале, каждый инструмент должен найти свою частотную нишу, чтобы при сочетании с остальными инструментами стать частью полного звукового спектра.

Одна из причин, по которой лучше начинать сведение с барабанов, заключается в том, что ударные инструменты занимают значительную часть частотного диапазона, от бочки до тарелок и перкуссий. Когда все ударные инструменты правильно настроены, с остальными становится значительно проще разобраться.

Изменение настроек эквалайзера на одном треке может повлиять на звучание другого трека. Например, если сильно поднять середину у фортепиано, оно может начать конфликтовать с вокалом. Иногда поднятие какой-то частотной области в одном инструменте может требовать вырезания или понижения громкости той же области в другом инструменте. Например, для подчеркивания вокала можно слегка прибрать «вокальные» частоты у других инструментов, вместо того, чтобы обрабатывать эквалайзером вокал.

Думайте о композиции как о спектре, и планируйте, какой звук вы хотите куда посадить. Иногда есть смысл использовать анализатор спектра, однако не забывайте, что основной ваш инструмент при сведении – это уши, а не глаза.

Если вы очень хотите подчеркнуть какой-то звук – попробуйте слегка приподнять его в районе от 1 до 3 КГц. Если хотите отодвинуть звук подальше – понизьте высокие частоты на соответствующей дорожке. Также есть смысл вырезать либо понижать низкие частоты инструментов, в которых они не нужны, чтобы освободить место для баса и бочки.

7. Основная обработка

Под «основной» имеется ввиду такая обработка, которая радикально меняет звук либо привносит в него что-то новое. Например, добавление эхо или какой-нибудь дисторшн, и так далее.

8. Стерео картина

Теперь пришло время расставить инструменты в стерео поле. Тут может иметь место как традиционный подход (основанный на реальном расположении инструментов во время концерта), так и что-то радикальное. Панорамируйте сигналы аккуратно, избегайте крайних положений регулятора панорамы.

Бочку и бас оставьте в центре: в низких частотах содержится максимум энергии, поэтому ее нужно распределить равномерно. При панорамировании остальных инструментов следите за балансом. Если что-то оказалось справа, значит, что-то другое должно оказаться слева.

9. Финальная коррекция аранжировки

Постарайтесь минимизировать количество соревнующихся инструментов, чтобы держать внимание слушателя сфокусированным. Вы можете очень гордиться каким-нибудь звуковым эффектом, но, если он не является необходимым в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если кажется, что чего-то не хватает, постарайтесь восполнить пробелы. Не стоит восхищаться своей работой, пока она не закончена. Постарайтесь быть максимально объективным.

10. Добавляем глубину

Теперь, когда все ваши инструменты нашли свое место в стерео картине, пришло время добавить третье измерение – глубину. Начинайте аккуратно добавлять к звукам задержки и реверберацию. Избегайте многопространственности (особенно при сведении живой музыки). Кроме того, не пытайтесь улучшить звук при помощи реверберации: лучше вернуться назад и подкрутить настройки синтезатора или эквалайзера.

11. Тонкая настройка

Теперь, когда все в целом звучит готово, перепроверьте настройки всех каналов: громкость, настройки эквалайзеров, эффектов, и внесите необходимые корректировки. Не перестарайтесь – музыка далеко не всегда выигрывает от стерильности звучания, а также, не стоит вносить изменения, которые не заметит никто, кроме вас.

12. Проверяйте свой микс на разных аудиосистемах

Перед тем, как «подписаться» под своей работой, проверьте, как она звучит на разных аудиосистемах. От студийной аппаратуры до автомобильной системы. Если микс звучит убедительно везде – миссия выполнена 🙂

Источник

Введение в мастеринг звукозаписей

Формально, мастеринг — это процесс подготовки и переноса записанной фонограммы на какой-либо носитель для последующего тиражирования. Традиционно, мастеринг был процессом переноса записей с магнитной ленты на мастер-диск на фонографическом станке для дальнейшего производства виниловых пластинок. Запись в буквальном смысле нарезалась на лаковой основе тончайшим резцом, кстати, именно отсюда взялся термин про «нарезку» компакт-дисков. Станок был очень дорогостоящим и далеко не все даже крупные студии могли позволить себе нарезать диски самостоятельно на своем оборудовании.

Кроме этих чисто технических лимитов, нужно ориентироваться на «средний проигрыватель» — тяжело объяснить покупателю, который принес диск обратно в магазин с претензией «не звучит», что это не изготовитель виноват, а стоит улучшить домашнюю технику и немного заняться акустикой помещений — это бизнес, нельзя «подставлять» производителя проигрывателей и рабочих, делавших последний ремонт у этого покупателя.

Добавляем ко всей этой мешанине причин неприспособленность микшерных комнат большинства студий для мастеринга в плане контроля и психологическую невозможность звукорежиссеров делать мастеринг самим — много часов достигая максимально «того самого» звучания, очень трудно будет потом его осознанно портить, подгоняя под все технические требования.

Все эти и многие другие причины привели к появлению отдельных мастеринг-домов и профессии мастеринг-инженера — человека с хорошим слухом и обширным опытом работы, профессионального искателя компромисса.

С появлением CD-DA, станок был заменен АЦП и записывающим устройством, а болванку для штампования стали изготавливать цифровым способом. Формат CD снял большинство технических ограничений винила, CD-записывающие устройства уже более чем доступны. Многие студии стали отказываться от услуг мастеринг-домов, в основном, по экономическим причинам, а те, в свою очередь, были вынуждены сильно снизить расценки, чтобы стимулировать приток заказов, а это опасно сокращением затрат на техническую часть.

Студия мастеринга

Очевидно, что студия мастеринга должна значительно отличаться от студии записи и сведения. В первую очередь — контролем, так как это последний рубеж перед тем, как запись пойдет в продажу, когда еще можно обнаружить брак. С другой стороны, контроль в студии мастеринга должен быть максимально приближен к тем аппаратам и условиям, в которых предположительно будет прослушиваться запись, поэтому обычно в мастеринг-студиях стоят как минимум 3 пары мониторов — основные высококачественные, малые высококачественные и так называемый cheap-котроль (иногда называют еще шит-контролем), то есть нечто, радикально отличающееся от первых двух, но наиболее близкое к «средней системе». Если студия предназначена не только для мастеринга дисков, то набор мониторов может быть еще больше.

Еще первое, что привлечет внимание не знакомого с мастерингом человека — отсутствие огромной студийной микшерной консоли, каналов на 96, которая для многих является символом большой и хорошей студии — в мастеринговых студиях микшерный пульт если и ставят, то небольшой, размеры помещения также более скромные.

Зато на мастеринговых студиях в изобилии различные приборы финальной обработки звука — эквалайзеры и компрессоры, несколько видов генераторов дитера (специальный шум, добавление которого к цифровой записи минимизирует шумы квантования, делая запись более приятной на слух).

Процесс современного мастеринга

В последние годы, с быстрой миграцией музыки с больших дорогих студий с высококвалифицированным персоналом на маленькие «артистические», основанные на DAW (digital audio workstation, цифровая звуковая рабочая станция) студии, процесс традиционного мастеринга стал меняться. Многие из студий хорошо подходят для создания и записи музыки, но они обычно не приспособлены для точного сведения, из-за акустического оформления, техники или персонала (любая комбинация перечисленного). В результате мастеринг-студии все чаще стали сталкиваются с треками, которые хорошо звучат в музыкальном смысле, но акустически не сбалансированы, например, слишком низкий по уровню вокал или «гудящий» бас. В таких случаях мастеринг-инженер моментально попадает в серию компромиссов, потому что все уже смешано: если поднять вокал многополосной динамической обработкой, то гитарная партия в том же диапазоне тоже вылезет, точно также если прибрать гудящий бас эквалайзером, то бочка уйдет вместе с ним. Чем больше ошибок присутствуют в принесенном миксе, тем больше компромиссов возникает.

Разработанное и быстро освоенное индустрией в 2005 году решение этой проблемы — деление микса на четыре или больше частотных диапазона. Артист/звукорежиссер приносит трек на мастеринг в виде нескольких синхронизированных треков (файлов), названных делениями (separations), каждое деление — это отдельная группа инструментов, таким образом мастеринг-инженер может изменять сведение без компромиссов. Дополнительные преимущества этого метода — не нужны «альтернативные» миксы, не нужны дорогостоящие дополнительные сессии «вспоминания» микса или ремикса — потому как миксы больше не отвергаются студией мастеринга. В принципе любой относительно «близкий» микс может быть вылечен и улучшен, к тому же конечный продукт обычно звучит чище и детальнее за счет, кроме всего прочего, микширования на оборудовании более высокого класса с мастеринговым студийным клоком с низким джиттером.

Возможный недостаток метода — слишком много свободы для мастеринг-инженера для изменения микса — например, относительная громкость гитары и вокала. Поэтому обычно предоставляется еще и копия оригинального сведения как ориентир для инженера, чтобы мастер наследовал исходные музыкальные пропорции. Тут стоит заметить, что при традиционном мастеринге эти пропорции очень часто меняются из-за компрессоров и/или лимитеров, особенно когда люди хотят получить «громкий» CD (к сожалению, очень распространенная практика, часто называемая «войной громкости»). В экстремальных случаях микс может измениться весьма заметно — пики у инструментов с большим динамическим диапазоном будут срезаны, а мягкие партии будут усилены. Некоторые партии могут провалиться, а другие сильно подняться по громкости вокруг них, особенно если неверно применяются многополосные динамические процессоры.

Профессиональные мастеринг-инженеры имеют значительный опыт в балансировании эффектов увеличения громкости и полноты с сохранением наиболее близкого к оригиналу звучания — это область компромисса, которая требует тренированного слуха и значительного технического знания. Если прокрадется ошибка, то даже великий альбом, полный нетленок будет иметь качество «записано дома» против «куплено в магазине».

При мастеринге с делениями, когда громкость трека нежелательно увеличивается — можно это исправить без компромисса, так как основные музыкальные элементы обычно на разных треках. Может показаться, что это лучший способ всех времен и народов, повторюсь — могут быть проблемы в случае неопытного мастеринг-инженера, также не надо путать этот метод мастеринга со «сведением во время мастеринга».

Непосредственно процедура

Процесс мастеринга сильно зависит от материала, обычно мастеринг включает в себя следующие шаги:

Пример возможных действий во время мастеринга:

Немного об уровнях

Несмотря на то, что производители записи не имеют возможности напрямую влиять на громкость воспроизведения их треков у конечного пользователя, все равно в недалеком прошлом с появлением CD была «война за громкость» — каждый старался, чтобы именно его компакт звучал наиболее громко при одинаковых настройках проигрывателя, правда, есть и объективная причина — уход от шумов.

В аудиопроизводстве принято измерять среднюю громкость в RMS — Root Mean Square (среднеквадратическое значение), чем больше значение RMS, тем громче звук.

Это параметр, наиболее близко отражающий восприятие громкости трека слушателем, но нет гарантии, что разные треки с одинаковым RMS будут восприниматься одинаково. Восприятие сильно зависит от частотного диапазона сигнала, насыщенности фонограммы.

Иногда, в погоне за RMS допускают незначительный клиппинг сигнала, однако в этом случае добавляются искажения и уменьшается панч.

Софт, подходящий для мастеринга

Мастеринг можно делать и без компьютера, но в современном мире наиболее разумно все-таки его применить. Это список профессионального софта и программно-аппаратных решений, предназначенных для мастеринга:

Полностью программные, думаю, в особом представлении не нуждаются, так как знакомы большинству читателей:

Статья не претендует на полноту, но надеюсь, что слово «мастеринг» стало более понятным для читателя, а в конечном итоге все решает опыт работы.

PS. На сладкое — цитата с одного профессионального форума: «Мастеринг в России придумал Субботин, чтобы разводить на деньги доверчивых артистов. И психовоздействие на артиста оказывается столь сильным, что результат продолжает артисту нравиться даже через достаточно большое время».

Источник

• ← Что такое сведение трека
• Что такое сведения в whatsapp →