Пластический спектакль это что
Пластический театр и его особенности
В основе представленной классификации лежит идея об образовании новых жанров и, следовательно, новых языковых форм.
Процесс объединения различных жанровых форм в искусстве в целом начался еще в конце XIX века, но продолжается он и сегодня. В качестве примера можно привести соединение фотографии и движения, что дало нам жанр «немое кино». Затем кино соединилось с драматическими жанрами, что сформировало уже понятное нам современное игровое кино. Такая же ситуация происходит с театром и его жанровым своеобразием.
Пластический спектакль миниатюр «Город Чудес»
Особенностями пластического театра является эмоциональная выразительность, стилизованное движение, элементы пантомимы. Можно сказать, это «три кита». К этим основным элементам стоит добавить дополнительные формы визуального искусства и народного творчества:
Театрально – пластический спектакль «БЛУЖДАЮЩЕЕ ВРЕМЯ»
Пластический театр, безусловно, далек от классического понимания данного вида искусства. Но, тем не менее, все больше театров используют жанровое разнообразие пластического театра в собственных постановках.
Сopyright © 2016 by lisse-art.ru. Все права защищены. Запрещено любое копирование материалов сайта без письменного согласия владельца — «Актерской школы Екатерины Рохинской».
ООО «Студия ЛиссЭ» ИНН/КПП 7715880170 / 771501001 119002, г. Москва, ул. Старый Арбат, д. 35, Центральный Дом Актера им. Яблочкиной, вход с пер. Калошин, 3 этаж, 346 ауд.
Способы оплаты: 
ООО «Студия ЛиссЭ» ИНН/КПП 7715880170 / 771501001 119002, г. Москва, ул. Старый Арбат, д. 35, Центральный Дом Актера им. Яблочкиной, вход с пер. Калошин, 3 этаж, 346 ауд.
Способы оплаты:
Пластический спектакль: вместо тысячи слов
Её движения грациозные, плавные. Его — отточенные и немного нервные. Она — счастливая невеста, ожидающая статного жениха, он — молчаливый скучающий наблюдатель. Казалось бы, нет такой силы, которая объединит этих двоих, ведь он — демон, а она земная девушка. Но даже бессмертный дух падет ниц перед могуществом такого глубокого чувства, как… любовь.
«Демон» Версия без слов
Поэму «Демон» знают все. Ее изучают в школе на уроках литературы, однако подлинное осмысление глубины этого произведения приходит, пожалуй, только после повторного прочтения спустя какое-то время. Михаил Юрьевич Лермонтов работал над «Демоном» больше десяти лет. Его первоначальной задумкой было связать добро и зло чувством к одной женщине: ангел и демон должны были полюбить монахиню, однако позже поэт изменил замысел. Демон стал основным лицом действия, погубившим девушку из ненависти к ангелу-хранителю. Затем изменения претерпел и образ безликой монахини — главной героиней стала веселая, живая красавица Тамара. Основным врагом демона стал не Божий Ангел, а он сам и его запретная, испепеляющая любовь. Поэтому образ главного героя до сих пор вызывает много споров: кто-то жалеет вечно одинокого Демона, а кто-то ставит под сомнение глубину чувств этого порождения зла. Впрочем, прочитать оригинальный текст вы всегда сможете сами. Мы же расскажем вам о нетривиальной постановке этого произведения в Московском драматическом театре имени М. Н. Ермоловой. Помог разобраться журналу «Школа. Москва» во всех хитросплетениях пластики и театрального искусства исполнитель главной роли Сергей Кемпо.
Как вы думаете, что будет, если лишить драматический спектакль одного из главных инструментов выразительности — слова? Кажется, что заменить текстовую фабулу очень непросто, но автор спектакля — режиссер-хореограф Сергей Землянский — нашел то, что стало новым художественным средством выражения. Определяющим в стилистике этого спектакля стал… танец. Именно танец становится языком, на котором говорят друг с другом герои. Именно движения передают глубину их чувств, порывы, сомнения, смятение мыслей. Ведь когда любовь обрушивается даже на Демона — слова излишни.
Пластический спектакль подразумевает под собой несколько другие приготовления, чем обычный. Три месяца мы занимались только физической подготовкой, а первое время вообще не делали никаких связок — режиссер Сергей Землянский нас именно тренировал. Это были растяжки, упражнения, перерыв — а потом снова. Занимались с утра и до самого вечера. Только после месяца такой разминки мы стали делать какие-то совместные связки.
Пластический спектакль сегодня не редкость. Основной компонент такого театра — это движения актера. Язык танца настолько богат, что позволяет работать в разных жанрах: драме, пантомиме, комедии. Пластика (от греч. plastike — ваяние, скульптура) — это объемная выразительность человеческого тела в статике или динамике. Сергей Землянский так говорит о своей версии без слов: «Поэма М. Ю. Лермонтова «Демон» буквально отрывает тебя от земли… провоцируя на творчество, вновь и вновь возвращая к главным вопросам. И молчать об этом становится уже невозможно. И тем не менее в своем спектакле я буду об этом молчать. Ничто не может раскрыть и передать все грани и закоулки сложной человеческой души так точно и сильно, как язык тела».
Для меня самой сложной частью спектакля была та, где нет действия, нет движения. Когда ты что-то делаешь, зритель видит, понимает, потому что действие сильнее слов. А молчать и еще одновременно просто стоять, при этом все равно стараясь даже в статику внести какую-то мысль, тяжело. В этот момент я понимал, что право молчать на сцене нужно заслужить. Молчание вообще вещь довольно красноречивая, особенно когда работаешь с партнером и вы без слов друг друга понимаете.
Для меня самой сложной частью спектакля была та, где нет действия, нет движения. Когда ты что-то делаешь, зритель видит, понимает, потому что действие сильнее слов. А молчать и еще одновременно просто стоять, при этом все равно стараясь даже в статику внести какую-то мысль, тяжело. В этот момент я понимал, что право молчать на сцене нужно заслужить. Молчание вообще вещь довольно красноречивая, особенно когда работаешь с партнером и вы без слов друг друга понимаете.Пластика актеров потрясает. Ловкий, сильный Демон в исполнении Сергея, восседающий на терновом венке, в первые минуты спектакля не горит желанием спускаться. Но, когда он это делает, мы поражаемся. Легко, то подтягиваясь на тканях, то делая различные перевороты, он снисходит до земли.
С тканями получился интересный момент: в первоначальной версии спектакля их не было. После длительных тренировок, когда мы начали уже скреплять движения, возникла эта декорация. Мы хотели сделать с помощью этих тканей какие-то эффектные проезды, скольжения, но это оказалось невозможным. Материал ткани должен быть специальным, а иначе она просто сжигает кожу из-за сильного трения. В итоге мы оставили несколько движений в начале.
Язык тела понятен и доступен всем. Персонажи не произнесут ни одного слова, но нужно ли это, если вы и так сможете проследить всю историю чувства, захватившего Демона, ни на шаг не отходящую от оригинала?
У меня было свое видение Демона, поэтому иногда возникали споры с режиссером. Кажется, все в мелочах, но именно эти детали очень отличают наших Демонов. Они совершенно разные, но у меня получилось отстоять свою точку зрения. Изначально было два Демона — я и Дмитрий Чеботарев, вот на него образ, придуманный Сергеем Землянским, ложился хорошо. Он был жестокий, властный, грубый, бескомпромиссный. Мой же Демон — больше романтический персонаж.
Танец Демона — настоящая исповедь любви. Он всеми силами очаровывает Тамару, окутывает её своими движениями так, что у зрителей перехватывает дыхание. Он завязывает ей глаза, кружит в танце, жаждет вызвать ответное чувство. До этого момента Демон — существо одинокое, скользящее из мира в мир, из эпохи в эпоху. Никому не нужный, но ни в ком и не нуждающийся, он внезапно обретает смысл существования в смертной женщине.
Мой Демон — это бывший любимец Бога. По сути, это капризный ребенок, который все хочет делать по-своему. Однако он часть Бога, поэтому не может быть не связан с ним. У него есть душа, способная любить, — ведь он когда-то был ангелом. К сожалению, Бог, как строгий родитель, наказывает Демона за эгоизм и тщеславие вечным одиночеством. Это одиночество скорее внутреннее — Демон перестает понимать, зачем он создан, зачем создан этот мир, зачем он в этом мире. Это приводит к равнодушию, возможно, даже какому-то сумасшествию. Каждый день он задает себе одни и те же вопросы, на которые давно знает ответы. Это еще страшнее.
Чувство, охватившее Демона, настолько глубоко, что толкает его на злодеяние — убийство жениха Тамары. Кара главного героя в этой постановке еще и в том, что душа у него очнулась от мертвого сна созерцания.
Почему среди всех женщин мира Демон выбрал Тамару? Пожалуй, банально говорить, что это потому, что у нее чистая душа. Ну а почему люди влюбляются? Ведь Демон Лермонтова во многом более человечный, чем привычный нам образ. Вот человек видит кого-то — и всё, любовь. Никого больше искать не надо. Это не просто родственная душа: человек рядом должен вдохновлять на какие-то поступки, воодушевлять. И главное — не разрушать. Демон нашел девушку, а именно ее душу, которая поняла его и полюбила.
В конце концов бывший венец творения Господа — какая ирония! — остается запертым в терновом венке. Навеки остался в собственном круге ада, вынужденный и дальше проживать бессмысленные дни без любви. С него начинается история — им же заканчивается.
В самом начале подготовки спектакля я, если честно, еще ничего не понимал. Что это будет, как. Только к десятому спектаклю нащупал, куда идти. Я стал учить оригинальный текст. Чтобы молчать, нужно нести мысль. Нужно понимать, что ты делаешь и почему. Когда видно, что героем на сцене движет какая-то мысль — за ней хочется следовать.
Отдельный персонаж «Демона» Сергея Землянского — это музыка, написанная композитором Павлом Акимкиным. Постановка полна звука, но слов в ней вы не услышите, только нервный смех Тамары, едва не сошедшей с ума от горя, да псалмы на грузинском, больше напоминающие чернокнижные заклинания. То и дело в зале разносится шепот — это дыхание Демона, который робеет перед своей возлюбленной. Поначалу он боится даже коснуться Тамары, обходит ее, то и дело протягивая руки и тут же отдергивая их назад. За нее он борется со светом — Ангелом. Демон не готов расстаться с девушкой, но понимает, что его путы не смогут связать бессмертную человеческую душу. Музыка спектакля пульсирует, завораживает, но она современна и понятна, так же как и танец актеров.
В нашем спектакле всё основано на ощущениях, на энергии, на понимании без слов. Нельзя сказать, что Демон зачаровывает Тамару, ведь если бы она не хотела, не осталась бы с ним. Он дает ей выбор: приходит в полном демоническом обличии, причем в монастырь, в место, само по себе противоречащее природе этого героя. Ради нее он идет против Ангела, и она сама выбирает Демона, протягивает к нему руки. Для Демона это — как откровение.
Пластический спектакль всегда наполнен символизмом, ведь если слова могут трактоваться по-разному, то что говорить о языке танца? Каждый видит в движении тела, взмахе рук, повороте головы что-то свое. По сути, такая версия без слов — это удачный эксперимент, воплотивший в себе не только замысел режиссера-хореографа, но и классический сюжет давно знакомого произведения.
Пластический спектакль нельзя назвать более сложным, чем обычный. Он просто другой. Но для драматического актера играть пластический спектакль — огромный опыт, школа. Благодаря этому ты во многом узнаешь свое тело — буквально достаешь из себя всё, все эмоции, которые не можешь выразить словами. Приятно видеть, что очень много молодых ребят приходят на спектакль — значит, читают, значит, пытаются понять. Если бы я был зрителем «Демона», то точно не остался бы равнодушным, он бы меня тронул, задел. Это главное. Все спектакли должны воодушевлять, они должны быть для чего-то.
Наш диалог прервался — жизнь театра всегда кипит, и Сергею нужно было идти на репетицию другого спектакля. Напоследок он сказал, что считает интересным возможность воплотить образ-без-слов Треплева, персонажа «Чайки» А. П. Чехова. Возможно, в будущем мы сможем увидеть и этот пластический спектакль.
Мы постарались раскрыть разницу между обычной постановкой и версией без слов. Пластический спектакль — это таинство, где хореография, свет, музыкальное сопровождение и костюмы существуют в абсолютной гармонии несколько другой, нежели привычная нам, театральной вселенной. Журнал «Школа. Москва» рекомендует вам посетить постановку «Демон» для того, чтобы убедиться в этом самим.
текст: В. Разводовская фото: Е. Сирина, О. Аносова
Пластика как средство театральной выразительности
1. Место пластики в театре: Исторический аспект:
Танец в чистом виде, как отдельный номер, вводился в индийскую драму редко. Зато форма спектакля в целом была, по сути дела, танцевальной. Причиной тому — чрезвычайная разработанность пластической стороны действия, богатство пантомимических средств, используемых при создании сценического образа, прежде всего — высоко стилизованный, часто условный и символический жест. Характерно, что некоторые из этих жестов обнаруживают сходство с жестами ведийского жертвенного ритуала. Преемственность тут очевидна: ритуальный танец заимствовал жестовую символику из жертвенной церемонии, передал ее мистерии, откуда она была усвоена затем театром. Следует также иметь в виду, что весь спектакль шел в музыкальном сопровождении (тоже мистериальное наследие!), и подчиненность движения актера музыкальному ритму делала его тем более танцевальным.
Сказать, что пластика занимает важный аспект в театрах востока, ни чего не сказать. Явно в театрах Японии, Китая, Индии пластика во всех своих интерпретациях основное средство выразительности. Так как в этих странах уделяют больше внимания своим традициям, исполнительское искусство неразрывно связаны со всеми культурными достояниями своего народа. Поэтому пластика является неотъемлемой частью театра востока, и по сей день, что нельзя сказать о европейском театре.
Конечно, в раннем западноевропейском театре пластика не занимала такого места и не играла такой роли как на Востоке. Но, безусловно, имела немаловажное значение.
Рассмотрим на примере итальянской commedia dell’arte. Этот вид театра вышел из уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и привел комедиантов к профессионализму – и в первую очередь, к выработке ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. Все персонажи commedia dell’arte были маски, поэтому жест, как и текст был так же важен. Жест у актеров был «широкий», не много утрированный, для того чтобы более ярче донести до зрителя весь смысл пьесы. А так как в основном артисты играли на улицах, публика была самой разнообразной, приходилось, для более точного изображения, ярче подавать пантомиму и жест. Комедия дель арте вобрала в себя опыт фарсового театра, однако здесь пародировались и расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль – несмотря на жесткие типажные рамки – бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления.
Чтобы глубже разобраться в сути вопроса, рассмотрим науку «о законах, которые руководят человеческим телом», основоположником которой является Франсуа Дельсарт – французский учитель пения, создатель своей системы «постановки эстетики человеческого тела» на научной основе (как он её понимал). Этой системой он занялся, после того, как сорвал голос и посчитав, что тому виной – несовершенная методика тогдашнего консерваторского образования. Вот что о нем говорит Волконский С.М. (русский театральный деятель, режиссёр, критик, мемуарист, литератор): «Fran;ois Delsarte посвятил жизнь раскрытию тех законов, которые руководят человеческим телом, когда оно выражает, то или иное чувство. Его можно назвать основателем науки о телесной выразительности. В течение сорока лет он преподавал в Париже. Лучшие артисты его времени ходили к нему, чтобы совершенствоваться в драматическом искусстве, пластике и выразительности…». Артисты, которые учились у Дельсарта, стали более точно играть свои роли, они стали использовать жест, не только так, как чувствовали, а уже конкретно под определенные эмоции, чувства и ситуации. Дельсарт, а в последующем и его ученики систематизировали телесную выразительность.
Режиссерский театр так же приносит изменения в игре актеров. Артисты стали более точно выполнять замысел режиссера, тем самым раскрывая замысел драматурга. Например, провести взглядом по партнёру сверху вниз или снизу вверх, совершенно разный подтекст получается, в одном смысле мы можем испытывать положительные эмоции к персонажу, а в другом отрицательные. Жест стал продолжением мысли, и неотъемлемым действием актера.
2. Театральная пластика: Педагогическая концепция В. Э. Мейерхольда.
Танец и пластика в драматическом спектакле
Пластика и танец играют в современном драматическом театре огромную роль. Ещё Станиславский в поздние годы творчества много внимания уделял жесту, позе и походке.
Его ученик Евгений Вахтангов продолжил традиции мастера в плане психологической остроты, глубины. Но всё это у него отлично сочеталось с пластическим рисунком и идеальной ритмичностью.
Один из реформаторов театрального искусства XX века Александр Таиров, создавал пластически завершённые образы. Он стремился к синтезу искусств, поэтому в его постановках немало пантомимических вставок.
Сегодня над представлениями режиссёры работают совместно с хореографами. Порой пластика помогает раскрыть смысловое содержание кульминации спектакля. Безусловно, танец в драматическом представлении не имеет ничего общего с балетом, у него совсем другие цели и задачи.
Если проанализировать, к примеру, постановку режиссёра Юрия Бутусова и балетмейстера Николая Реутова «Калигула», то все его компоненты окажутся целостны и взаимосвязаны. Драматический сюжет здесь напрямую зависит от музыки и пластики.
Обратимся к «Отцу» А. Стриндберга в БДТ режиссёра Григория Дитятковского и Сергея Грицая. Интересна постановка тем, что пластические этюды здесь выполняют сразу несколько функций.
Прежде всего, они обрамляют основное действие и помогают понять скрытый смысл поступков главной героини: она говорит одно, но её движения показывают совсем другое. Одна рука гладит мужа, уговаривая не отправлять дочь учиться, а вторая содрогается над его головой, затягивая невидимую удавку. В постановке балетмейстер большое внимание уделил именно пластике рук.
Вторая функция проявляет себя во второй части спектакля, когда Ротмистр больше не слышит жену, не видит её тела. Начинается полное отторжение, появляется холодное безразличие между мужчиной и женщиной. Танец Лауры становится переломным моментом, как в спектакле, так и в сознании её мужа.
Индивидуально выстроенная пластика для каждого персонажа помогает раскрыть их характеры и установить психологические связи. И очень ярко это выражено в постановках Романа Виктюка. Например, в «Федре», хореографией которой занимались сразу несколько хореографов: Марис Лиепа работал над Тесеем, Морис Бежар настаивал на том, чтобы актёр играл и Федру, и поэтессу Цветаеву, по-разному интерпретируя каждую роль с помощью движений, а Альберто Алонсо выстроил полностью пластику спектакля жёсткой и простой, так как речь Цветаевой и так поэтически сложна.
Конечно, такой раздрай в видениях и пожеланиях нескольких художников никак не мог привести к гармонии. По итогам, спектакль скорей похож на одеяло, сшитое из лоскутов. Но это была первая попытка Вкитюка прибегнуть к такому синтезу. Следующая попытка, которой стали «Служанки», оказалась куда более успешной.
Лучшие места в театре
ТОП-7 лучших антреприз в Петербурге
Фестиваль Европейского кино в Севилье
На афише Пушкин. Театральная пушкиниана XX-XXI веков
Чешский чёрный театр теней
Подберем мероприятие для вас
группа «Руки вверх»
- 09 июля 20:00 ГАЗПРОМ АРЕНА Билеты от 2300 ₽ Е
Бестолочь
- 04 декабря 19:00 ДК Выборгский Билеты от 600 ₽ Е
Багатица. Праздничный концерт
- 05 января 18:00 ДК Железнодорожников Билеты от 540 ₽ Е
Свободная любовь
- 06 декабря 19:00 ДК Выборгский Билеты от 1000 ₽ Е
Сергей Трофимов
- 04 марта 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 900 ₽ Е
Филипп Киркоров #Цвет настроения.
- 15 апреля 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 2500 ₽ Е
Филипп Киркоров #Цвет настроения.
- 16 апреля 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 2000 ₽ Е
Муж в рассрочку
- 18 декабря 15:00 ДК Выборгский Билеты от 500 ₽ Е
Хор Турецкого
- 19 декабря 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 3500 ₽ Е
Мирей Матье
- 05 ноября 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 2800 ₽ Е
Юрий Шатунов
- 27 марта 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 1600 ₽ Е
Вражда
- 25 марта 19:00 ДК Выборгский Билеты от 800 ₽ Е
Артур Пирожков «Перетанцуй меня»
- 08 апреля 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 1300 ₽ Е
Певица Слава
- 19 мая 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 1000 ₽ Е
Концерт, Разговорный жанр
Максим Галкин
- 12 февраля 19:00 БКЗ Октябрьский Билеты от 1800 ₽ Е
Алексей Брянцев
- 06 марта 19:00 ДК Ленсовета Билеты от 800 ₽ Е
Детям, Шоу, для семейного просмотра
Аленький Цветочек
- 30 декабря 19:00 Юбилейный СК Билеты от 600 ₽ Е
Максим Фадеев
- 15 апреля 19:00 Ледовый дворец Билеты от 1500 ₽ Е
Снежная королева
- 17 декабря 19:00 Театр Ленсовета Билеты от 200 ₽ Е
Папа
- 03 декабря 19:00 ДК Выборгский Билеты от 1500 ₽ Е
Чудики (Фёдор Добронравов)
- 05 декабря 19:00 Дворец искусств Ленинградской области Билеты от 1200 ₽ Е
Слухи
- 07 декабря 19:00 ДК Выборгский Билеты от 800 ₽ Е
Танец и пластика в драматическом спектакле
Пластика и танец играют в современном драматическом театре огромную роль. Ещё Станиславский в поздние годы творчества много внимания уделял жесту, позе и походке.
Его ученик Евгений Вахтангов продолжил традиции мастера в плане психологической остроты, глубины. Но всё это у него отлично сочеталось с пластическим рисунком и идеальной ритмичностью.
Один из реформаторов театрального искусства XX века Александр Таиров, создавал пластически завершённые образы. Он стремился к синтезу искусств, поэтому в его постановках немало пантомимических вставок.
Сегодня над представлениями режиссёры работают совместно с хореографами. Порой пластика помогает раскрыть смысловое содержание кульминации спектакля. Безусловно, танец в драматическом представлении не имеет ничего общего с балетом, у него совсем другие цели и задачи.
Если проанализировать, к примеру, постановку режиссёра Юрия Бутусова и балетмейстера Николая Реутова «Калигула», то все его компоненты окажутся целостны и взаимосвязаны. Драматический сюжет здесь напрямую зависит от музыки и пластики.
Обратимся к «Отцу» А. Стриндберга в БДТ режиссёра Григория Дитятковского и Сергея Грицая. Интересна постановка тем, что пластические этюды здесь выполняют сразу несколько функций.
Прежде всего, они обрамляют основное действие и помогают понять скрытый смысл поступков главной героини: она говорит одно, но её движения показывают совсем другое. Одна рука гладит мужа, уговаривая не отправлять дочь учиться, а вторая содрогается над его головой, затягивая невидимую удавку. В постановке балетмейстер большое внимание уделил именно пластике рук.
Вторая функция проявляет себя во второй части спектакля, когда Ротмистр больше не слышит жену, не видит её тела. Начинается полное отторжение, появляется холодное безразличие между мужчиной и женщиной. Танец Лауры становится переломным моментом, как в спектакле, так и в сознании её мужа.
Индивидуально выстроенная пластика для каждого персонажа помогает раскрыть их характеры и установить психологические связи. И очень ярко это выражено в постановках Романа Виктюка. Например, в «Федре», хореографией которой занимались сразу несколько хореографов: Марис Лиепа работал над Тесеем, Морис Бежар настаивал на том, чтобы актёр играл и Федру, и поэтессу Цветаеву, по-разному интерпретируя каждую роль с помощью движений, а Альберто Алонсо выстроил полностью пластику спектакля жёсткой и простой, так как речь Цветаевой и так поэтически сложна.
Конечно, такой раздрай в видениях и пожеланиях нескольких художников никак не мог привести к гармонии. По итогам, спектакль скорей похож на одеяло, сшитое из лоскутов. Но это была первая попытка Вкитюка прибегнуть к такому синтезу. Следующая попытка, которой стали «Служанки», оказалась куда более успешной.