Импрессионисты художники самые известные

Импрессионизм. Общая характеристика. Основные мастера

В свое время не понятые, не принятые, отверженные, импрессионисты совершили прорыв в искусстве, который способны были оценить лишь следующие поколения. Вторая половина XIX века отличается индивидуализмом. В это время возникает новый тип художников – отныне им посильно писать современность такой, какой они ее чувствуют и видят.

Термин «импрессионизм» происходит от французского слова impression («впечатление»). Название стиля происходит от работы Клода Моне «Impression, soleil levant» («Впечатление, восход солнца»), написанной в 1872 году, которая спровоцировала критика Луи Леруа использовать этот термин в сатирическом обзоре, опубликованном в парижской газете «Le Charivari» с целью выразить недоумение, и даже пренебрежение относительно нового направления. Вышесказанная работа Клода Моне была впервые представлена в 1874 на выставке анонимного кооперативного общества художников в фотоателье Надара на бульваре Капуцинок в Париже – первом значительной выступлении импрессионистов.

Традиционное искусство категорически не готово было принять художников нового стиля, оно упрекало молодых живописцев не только в незаконченности полотен, но и в аморальности, отсутствию вкуса и смысла в их работах, покушению на истинное искусство.

Предвестниками нового направления были исканиями таких живописцев, как романтика Эжена Делакруа, реалиста Густава Курбе и представителя барбизонской школы – Теодора Руссо. Импрессионисты много взяли из работ Йохана Бартольда Джонгкинда, Жана-Батиста Камиля Коро и Эжена Будена. Большая их часть оказывали значительную, посильную поддержку молодым художникам.

Импрессионизм возник в русле реалистического искусства. Как и реалисты середины столетия, импрессионисты выступали против условных эстетических принципов (имеются в виду омертвелые штампы академической живописи и условной красоты полотен необычайно популярных на то время художников Салона), а также идеальных норм официального искусства.

Для импрессионистов важно было передать глубоко искренне и непосредственное изображение природы и современной жизни. У художников была следующая тематика: природа в разнообразии ее изменчивых состояний, многоликая жизнь Парижа. Многие, выбранные импрессионистами предметы изображения, раннее встречались в изобразительном искусстве, но теперь они приобрели новое, индивидуальное выражение. Большое внимание уделялось индивидуализации мотива.

Основой творчества для художников был контакт с натурой, они открыли новый творческий метод – работу непосредственно на природе (пленэр). Отныне действительность могла быть передана с помощью динамики конкретного и общего. Благодаря наблюдению за природой, импрессионистам стало многое понятно: например, то, что любой предмет воспринимается глазом не изолированно, а в сложном цветовом взаимодействии со всем окружением и его цветовые качества меняются в зависимости от изменения освещения и воздушной среды.

Исключительность нового творческого метода заключалась в том, что живописцы научились распознавать сложнейшие оттенки цвета там, где до них обычно видели лишь однородные пятна, сложные светотеневые переходы. Отказавшись от тяжелых теней и черного цвета, художники добились необычайной «легкости» в своих работах.

Новому стилю сопутствовал ряд новых, особенных методов письма, которые сейчас трактуются нами как привычки, способствовавшие инновационному стилю импрессионистов. Не все методы были новы, кем –то они были использованы ранее, например, Веласкесом, Рубенсом, в особенности Тернером. Но в чем уникальность импрессионистов – они использовали все принципы не только последовательно, но и вместе.

Эти принципы включают в себя:

— Фактический отказ не только строгого контура, но и четкого рисунка,

— Нанесение краски импасто,

— Минимальное смешение цветов дает контраст, подчёркивается яркость каждого цвета,

-Краска наносится на светлый грунт,

— Подчеркнутая игра естественного света, художники все чаще работают по вечерам, предпочитая сумерки рассвету,

— Работа на пленэре позволяет передать ощущение свежести.

Новые технологии сыграли свою роль в развитии стиля. Импрессионисты воспользовались введением в середине века предварительно смешанных красок в оловянных тюбиках, что позволило художникам работать более спонтанно, как на улице, так и в помещении. Ранее художники изготавливали свои собственные краски индивидуально, размалывая и смешивая сухие пигментные порошки с льняным маслом, которые затем хранили в мочевых пузырях животных.

Для художников XIX века открылось многообразие новых ярких синтетических пигментов, которые стали стоить дешевле, тем самым большее количество людей могли себе их позволить. К ним относятся кобальтовый синий, кадмиевый желтый и синтетический ультрамариновый синий, которые использовались художниками с 1840-х годов, еще до импрессионизма. В манере живописи импрессионистов смело использовались эти пигменты и еще более новые цвета, такие как Сeleruan blue.

Решение композиционно-пространственных проблем у разных художников происходило по-разному, например, Дега, Ренуар, Кайботт предпочитали пользоваться приемами кодирования, часто выбирали острые ракурсы, необычные точки зрения. А Моне решил оказаться от иллюзорной перспективы, сведя пространство к плоскости.

В 1886 году прошла последняя выставка импрессионистов, к этому времени визуальное восприятие действительности вытесняет глубокое познание мира. Наметилась тенденция сведения сюжета к мотиву, часто исключалась сложная психологическая проблематика, как итог произошел отказ от значительных тем.

Течение просуществовало всего два десятилетия, выставившись в полном составе лишь раз (в 1877 году), импрессионизм постепенно приходит к упадку. Причиной послужили не только бесконечные материальные трудности, но и внутренние разногласия, в конце концов нарушившие целостность группировки. Еще одной значимой причиной можно назвать появление новых участников – Редон, Сера, Синьяк (работы которых были представлены на восьмой выставке импрессионистов в 1886 году). Они нарушили стилистическую целостность группы, олицетворяя собой уже принципиально новые тенденции во французской живописи. Осознавая это, художники с 1880- х предпринимают новые поиски, но уже независимо друг от друга.

Широкое признание пришло к импрессионистам уже после их распада – это случилось в последнее десятилетие XIX века.

Клод Моне (1840-1926)

— С конца 1860-х в его творчестве пейзаж приобретает ведущее место, в них осуществляет «эксперименты с цветом и светом» (Этюды «Гренуйер»).

— 1870-е – происходит расцвет творчества, пишет пейзажи в Аржантее; палитра полностью очищается от черных тонов, приобретает радужность, ослепительное богатство и свежесть.

— 1875-е- повторяет один и тот же мотив в разное время дня, при разном освещении – создает целые серии картин. Например, пишет Вокзал Сен-Лазар 7 раз в течении 1877 года.

— 1880е –задается целью буквально остановить мгновение –важной вехой в его творчестве становится многократное изображение Руанского собора – в нем мотив теряет свое самостоятельное значение, превращаясь в повод для передачи изменчивости жизни света. При это свет становится главным мотивом уже не одной картины, а большего цикла.

Клод Моне «Собор в Руане в солнце». Музей Орсе, Париж. 1894

Камиль Писсарро (1830-1903)

— Единственный художник, принимавший участие во всех выставках.

— Крестьянский художник: писал настоящею деревню, с ее лугами и пашнями.

— Был больше занят композиционно-пространственными задачами. Часто организационное начало – дорога («Въезд в деревню Вуазен», 1872).

— Порой строит пейзажи в отношении горизонтальных планов, обычно замыкая пространство холмами («Эрмитаж в Понтуазе»,1867).

— Пейзаж Писсаро всегда продуман; помимо пейзажей писал и жанровые картины («Крестьянская девочка с прутиком», 1881).

— в 1890е возвращается к прежней манере, позднее творчество – это городские пейзажи, в сущности, это также серии.

Камиль Писсарро «Бульвар Монмартр. Утро, облачная погода». Национальная галерея Виктории, Мельбурн. 1897

Альфред Сислей (1839-1899)

— Будучи скромным и сдержанным, он не прокладывал новых путей, а скорее следовал за своими друзьями.

— Интимные неброские мотивы – поля, берега, рек и каналов, небольшие городки; он умел с большой проникновенностью передать их своеобразие и поэтическую прелесть («Вильнёв-ла-Гаренн», 1872).

Альфред Сислей «Двор фермы». Музей Орсе, Париж. 1884

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

— «Живописец счастья», нет ни одной печальной картины.

— Композиции- свободные и непринужденные, цвет – богатый и звучный, манера письма- живая и динамичная – работы конца 1860-х («Лягушатник», 1869).

— Особенности творчества – кадрирование фигур, тончайшие переходы («В ложе», 1874).

— Изображал сцены современной жизни Парижа.

— среди многочисленных портретов преобладают женские и детские.

— Работа «Завтрак гребцов» (1881) завершает импрессионистический период.

— поздние работы отличает монументальное обобщение формы с мягкостью, свободой и широтой письма.

Пьер Огюст Ренуар «Бал в Мулен де ла Галетт». Музей Орсе, Париж. 1876

Эдгар Дега (1834-1917)

— Активный организатор выставок импрессионистов.

— Он оказался далек от многих основополагающих принципов импрессионизма – отрицал непосредственность в искусстве, был противником пленэра, утверждал значение рисунка.

— творчество Дега развивалось в русле современных художественных исканий, но именно в его работах прослеживается психологически-аналитическая тенденция.

— Также был жертвой серийности (Скачки, Балетные сцены).

— Дега – художник города; обладал умением в одном жесте раскрыть характер изображаемого.

— Прошел через несколько техник: начав с масла, затем перешел к активному письму пастелью.

— Стиль художника формировался на основе глубокого усвоения традиций французского и итальянского искусства.

— Занимался фотографией, использовал ее в своем творчестве.

Эдгар Дега «Мисс Лала в цирке Фернандо». Национальная портретная галерея, Лондон. 1979

В отличие от более ранних реалистов, импрессионисты больше концентрировались на том, как свет воздействовал на ландшафт в определенный момент времени, а не создавали точное представление статичной сцены. Их методы, предметы и цветовые палитры вступали бы в конфликт с принятыми в искусстве параметрами для своей эпохи, что требовало отказа от ограничительного контроля таких учреждений, как Académie des Beaux-Arts которые традиционно устанавливали стандарты в парижском мире искусства.

Однако, вопреки обычаю более ранних реалистов, которые делали предварительные наброски, которые впоследствии делали в студии, эти молодые художники немедленно переносили сцены вокруг них на холст, улавливая мгновенное качество света быстрыми, уверенными мазками, которые не содержали такого тщательного смешения красок и точной утонченности мастеров-реалистов, таких, например, как Гюстав Курбе. Кроме того, они избегали уже кажущихся довольно избитыми религиозных и исторических сюжетов реалистов, предпочитая рисовать природные ландшафты и живые, импровизированные сцены, такие как «Завтрак на траве» Эдуарда Мане.

Эдуард Мане «Завтрак на траве». Музей Орсе, Париж. 1863

Течение заимело множество последователей, обретая все большую популярность не только в Европе, но и Америке, и даже в России. Сейчас, в XXI веке это направление не утратило своей значимости и популярности. Работы художников, выполненных в этой технике, можно увидеть в нашей галерее по ссылке https://artdoart.com/paintings/style-impressionism

Искусствовед Манеева Анна

этоинтересно, интересныефакты, Манеева Анна, импрессионизм, Моне, Дега, стиль, вдохновение, свет, Писсарро, Сислей, Ренуар, Впечатление, воздух, пространство, воздушноепространство, эмоции, зарождение, основатели.

Источник

Импрессионизм

Импрессионизм, пожалуй, самое известное французское движение живописи. Фактическое название «импрессионизм» было придумано французским искусствоведом Луи Леруа после посещения первой выставки импрессионистской живописи в 1874 году, где он увидел «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant) Клода Моне. По иронии судьбы, Моне только определился с названием при заполнении каталога выставки и почти назвал вид на Гаврскую гавань! Всего между 1874 и 1882 годами импрессионисты устроили семь выставок, все в Париже.

Впервые появившись в Париже в конце 1860-х-начале 1870-х годов, импрессионизм изначально не признавался чем-то особенным. Многие члены группы не ладили с официальным салоном, организационным органом Французской Академии Изящных Искусств, чье жюри действовало с непредсказуемой строгостью. Поэтому, хотя другие художники были впечатлены некоторыми из его ранних работ, импрессионизм не был признан важным стилем живописи ни искусствоведами, ни коллекционерами, ни публикой. В результате большинство художников-импрессионистов испытывали серьезные финансовые трудности, и всем им приходилось бороться за внимание и заказы от покровителей и критиков. Несмотря на дружбу с ведущими деятелями в других областях творчества (такими как писатель Эмиль Золя и поэт Шарль Бодлер), взаимная поддержка и уверенность внутри группы были решающим фактором ее выживания.

Впечатление. Восходящее солнце (фр. Impression, soleil levant) Клода Моне

Главная характеристика импрессионизма

Главные приоритеты импрессионистов включали:

1) немедленное и оптически точное изображение мгновенной сцены;

2) выполнение всей работы под открытым небом (не было подготовительных эскизов и тщательного завершения в студии);

3) использование чистого цвета на холсте, а не смешивания на палитре;

4) Использование небольших штрихов и мазков ярко окрашенной краски;

5) использование света и цвета для объединения картины, а также для того, чтобы сделать ее более яркой. Вместо традиционного метода постепенно выстраивается картина по контуру и моделированию со светом и тенью.

Хотите научиться рисовать? Онлайн школы рисования.

Чего хотел добиться импрессионизм

Никто никогда не рисовал истинного цвета солнца и тени, и вряд ли кому-то пришло в голову предположить, что плотность воздуха не всегда постоянна, что можно нарисовать, например, пейзаж, видимый сквозь густой туман или туман.

Но оба этих визуальных открытия были, по сути, подзаголовками более крупного открытия. Импрессионисты, сами того не подозревая, осознали феномен преходящего. Художник, который выносит свое полотно на свежий воздух и пытается написать каждый нюанс того, что видит его глаз, находится в совершенно ином настроении, чем художник, который строит свою картину в своей студии из серии подготовительных эскизов или исследований. Его глаз не может быть более ищущим, но он начинает осознавать другой набор визуальных данных. Он все меньше и меньше заботится о природе объекта-фигуры или пейзажа.

Для Моне, работавшего над картиной Руанского собора, то что он увидел, было не готическим сооружением, а воздушной оболочкой определенной плотности, сквозь которую можно было видеть собор и которая изменяла его вид с каждым движением света. Таким образом, для него сам предмет исследования менял свою природу в каждый час дня. Поскольку акцент в каждой картине импрессионистов делается на моменте времени, естественно, что импрессионисты должны сознательно искать сиюминутные эффекты. На картине Моне, изображающей вход на вокзал Сен-Лазар, наиболее привлекательными чертами являются не железный мост и здание за ним, а пар, который дрейфует под мостом и локомотивом, намеренно помещенный на крайнем левом углу, чтобы создать впечатление, что он находится на пути к выходу из картины.

Вокзал Сен-Лазар (1877) Музей Орсе, Париж. Клод Моне.

Семь величайших художников-импрессионистов

Клод Моне (1840-1926) стал центром внимания в движении. Если бы природа в течение каких-то четверти часа была «не в духе» (а природа часто виновата в неожиданных провалах), Моне слепо последовал бы за ней в трясину хроматического дурного вкуса. Его собственное чувство гармонии цветов иногда было прискорбным. Но он обладал величайшими познаниями в живописи пленэра и внес в круг импрессионистов очень передовые идеи в области пейзажной живописи.

Маковое поле (Аржантей) (1873) Музей Орсе. Клод Моне.

Камиль Писсарро (1830-1903), великий учитель, был самым плодовитым художником группы и единственным, кто показывался на всех выставках импрессионистов. Пожизненный анархист, он почти не зарабатывал денег, и его эмоциональная привязанность к определенным цветам и сценам означала, что у него не было такого же безжалостно объективного отношения к живописи, как у Моне.

Туманное Утро (1874) Музей Орсе, Париж. Альфред Сислей.

Мане и Дега были связаны с движением, но они менее яростно специализировались на том, чтобы говорить импрессионистскую правду и ничего больше. Они были лучшими художниками хотя бы потому, что их интересы выходили за рамки простого «взгляда» на вещи.

Мане (1832-1883) был почитаем другими художниками-импрессионистами. Он состоял в родстве с французским императором и к двадцати девяти годам уже считался ведущей фигурой новой реалистической живописи, предшествовавшей импрессионизму. Известный своим современным подходом к живописи маслом и революционным переосмыслением неоклассических тем, он был заинтересован прежде всего в том, чтобы вновь стать принятым салоном. Мане был объективен, как любой художник. Возможно, до него Веласкес был художником, который меньше всего подчеркивал свой темперамент, и Мане писал свою знаменитую «Олимпию» скорее в знак уважения к Веласкесу, чем к Тициану. Он больше сознавал воздействие света, чем Веласкес, но, за исключением более поздних, открытых набросков, сделанных под влиянием пейзажистов-импрессионистов, он не перенял «дивизионистской» техники, с помощью которой пытался передать вибрацию света.

Голубые танцовщицы (1899) Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина Москва. Эдгар Дега.

Другим художником из богатой семьи был Поль Сезанн (1839-1906), сын банкира из Экса. Из-за своей застенчивости и южных, деревенских манер у него были проблемы в лучших парижских кругах. В 1895 году ему была дана большая выставка в Париже, до этого он не выставлял картины в течение 20 лет.

Дама в голубом (1900-04) Эрмитаж, Санкт-Петербург. Москва. Пол Сезанн.

Огюст Ренуар (1841-1919), происходивший из очень бедной семьи, буквально должен был голодать, чтобы добиться успеха как художник. Ему помогал Нарцисс Диас, один из основателей Барбизонской школы. Искусство Ренуара отличалось от искусства Моне. На самом деле он не был связан с мимолетными моментами или преходящими изображениями света. Солнце Ренуара вечно, даже его обнаженные женщины вечны. Это женщины, видимые так, как ребенок может видеть свою мать: мягкие, сияющие и вечные. В этом смысле можно сказать, что Ренуар является частью основного потока искусства, а не революционного импрессионизма.

Пьер Огюст Ренуар. Обнаженная

К 1880-м годам, после серии успешных выставок в Париже, импрессионистское движение начало распадаться.

Источник

Возникновение импрессионизма: как рождалось впечатление

Импрессионисты отказались от Салона и устроили свою первую отдельную выставку в 1874 году. Их стиль, вызвавший бурную реакцию общества, формировался постепенно.

Художники-импрессионисты: в чём особенности их стиля?

Цель художника-импрессиониста — не изображение самой действительности, в своей работе он передаёт собственное впечатление от того, что видит, атмосферу происходящего в определённый момент. Он всегда обращает внимание на игру света и движение воздуха, отказывается от чёрного и белого цветов, ведь в реальности они никогда не встречаются в чистом виде. Для импрессионистов было важно писать свои полотна с натуры, на открытом воздухе. Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Название течения родилось благодаря попытке журналиста Луи Леруа иронизировать над стилем импрессионистов в своём фельетоне в газете «Le Charivari». Поводом употребить это слово стала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (от фр. «Impression, soleil levant»). Постепенно пренебрежение Леруа забыли, и слово «импрессионизм» превратилось в термин, точно передающий суть творчества его представителей.

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро

Посетители выставки 1874 года восприняли стиль импрессионистов как революцию, но на самом деле его возникновение вовсе не было резким. Черты этого течения встречаются ещё у Эль Греко и Диего Веласкеса в 16−17 веках: они пытались передать освещение в определённый момент и изобразить движение с помощью пробелов между мазками. Тем не менее, они любили использовать открытый чёрный цвет. В одно время с Веласкесом творил Питер Пауль Рубенс, тонко передававший свет и тень. Чистого чёрного цвета на его полотнах нет.

Однако гораздо более сильно на импрессионистов повлияли художники 19-го века. Здесь стоит говорить о вкладе представителей барбизонской школы, особенно Шарля-Франсуа Добиньи, и близких к ней художников: Камиля Коро, Гюстава Курбе и Эжена Будена. Черты импрессионизма в их работах появились примерно в середине века. Барбизонскую школу окрестили по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где жили несколько её представителей. В окрестностях деревни работали многие художники (не только из этой школы), создавая свои пейзажи на пленэре.

Барбизонец Добиньи известен лирическими равнинными пейзажами. Ему нравилось изображать воду и небо, ему была важна работа с натуры, и для неё он даже устроил себе плавучую мастерскую, в которой писал, поднимаясь по течению реки Уазы. Добиньи усердно работал со светом и добился больших успехов в воспроизведении изменчивого воздуха, улавливал мельчайшие оттенки цвета.

Много внимания освещению уделял и Коро. Он старался передать его как можно более естественно, перенеся на полотно атмосферу происходящего так, чтобы не потерять материальность предметов. Коро несколько раз мог переписывать один этюд ради того, чтобы свет и оттенки получились наиболее натурально. Для него очень много значила близость человека к природе. В его работах много серых тонов, которые он получал не из чёрного и белого цветов (их он не использовал), а с помощью смешения многих ярких красок. Коро стал любимым живописцем Альфреда Сислея.

Гюстав Курбе, мастер пейзажа, прошёл путь от романтизма к реализму. Он никогда не работал на пленэре, но умел изображать открытое пространство с помощью цветовых пятен, а также контраста между яркими красками и затемнёнными фрагментами. Курбе преподавал и говорил своим ученикам, что они должны изображать то, что видят и чувствуют — это главная идея импрессионизма. Наибольшее влияние он оказал на Эдуарда Мане.

В отличие от Курбе, Эжен Буден не представлял своего творчества без работы на открытом воздухе. Небо и море — его любимые сюжеты. На своих полотнах ему удавалось удивительно точно передавать реальные соотношения цветов. Буден часто рисовал пастели и акварели, а не только писал маслом по холсту. Этот художник был дружен с импрессионистами и принял участие в их первой выставке в 1874 году. Именно привил Клоду Моне любовь к работе на открытом воздухе.

Более того, во время франко-прусской войны 1870−1871 годов Моне, Сислей и Писарро были в Англии, где изучали творчество Констебла, Тёрнера и Крома. Потом импрессионисты вспоминали, что эти великие английские пейзажисты сильно повлияли на их стиль.

Эжен Делакруа создал свои первые акварели с импрессионистским чертами ещё в 1830-е гг. Поэтому, если следовать строгой хронологии, о нём стоило бы говорить ещё перед упоминанием барбизонской школы. Однако многие исследователи считают Делакруа наиболее близким к импрессионистам среди всех предшественников этого течения, и из-за этого мы описываем его творчество последним. Действительно, уже во времена работы над акварелями 30-х годов этот художник понимал различие между естественным цветом предметов и теми красками, которые им придаёт освещение. Он, можно сказать, предвосхитил картину Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), написав своё полотно «Море в Дьеппе». Журналист Жюль Лафорг сравнил мазки Делакруа и Моне, заметив, что оба художника передают движение в своих работах вибрирующими мазками.

Мане, Ренуар и другие

Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику ещё в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошёл от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущённые зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жёсткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображённых людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.

Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.

Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.

Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.

К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е гг., к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.

Источник

Импрессионизм в искусстве

Автором термина «импрессионизм» считается французский критик и журналист Луи Леруа, который под впечатлением посещения выставки группы молодых художников «Салон отверженных» в 1874 году в Париже, называет их в своем фельетоне импрессионистами, своеобразными «впечатленцами», причем данное высказывание носит несколько пренебрежительный и ироничный характер. Основой для названия данного термина послужила увиденная критиком картина Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». И хотя поначалу многие картины на этой выставке подверглись резкой критике и неприятию, позже данное направление получило более широкое признание публики и стало популярным во всем мире.

Импрессионизм в живописи

(Клод Моне «Лодки на пляже»)

Новая стилистика, манера и техника изображения были придуманы французскими художниками-импрессионистами не на пустом месте, в её основу легли опыт и наработки художников самых талантливых живописцев Эпохи Возрождения: Рубенса, Веласкеса, Эль Греко, Гойи. От них импрессионисты взяли такие методы более яркой и живой передачи окружающего мира или выразительности погодных условий как использование промежуточных тонов, применение техники ярких или наоборот тусклых мазков, крупных или мелких, отличающихся абстрактностью. Адепты нового направления в живописи либо полностью отказались от традиционной академической манеры рисования, либо полностью переделали методы и способы изображения на свой лад, внеся такие новшества как:

(Эдуард Мане «Чтение»)

И хотя не все художники данного направления придерживались особой точности в исполнении всех точных особенностей стиля импрессионизм (Эдуард Мане позиционировал себя как отдельный художник и никогда не участвовал в совместных выставках (всего их было 8 с 1874 по 1886 год).

Эдгар Дега творил только в собственной мастерской) это не мешало создавать им шедевры изобразительного искусства, хранящиеся до сих пор в лучших музеях, и частных коллекциях по всему миру.

Русские художники импрессионисты

Находясь под впечатлением от творческих идей французских импрессионистов, русские художники в конце 19 начале 20-го века создают свои оригинальные шедевры изобразительного искусства, позже известные под общим названием «русский импрессионизм».

(В. А. Серов «Девочка с персиками»)

Его наиболее яркими представителями считаются Константин Коровин («Портрет хористки», 1883 год, «Северная идиллия» 1886 год), Валентин Серов («Открытое окно. Сирень», 1886 год, «Девочка с персиками», 1887 г), Архип Куинджи («Север», 1879 год, «Днепр утром» 1881 год), Абрам Архипов («Северное море», «Пейзаж. Этюд со срубом»), «поздний» импрессионист Игорь Грабарь («Березовая аллея», 1940, «Зимний пейзаж», 1954 год).

(Борисов-Мусатов «Осенняя песня»)

Методы и манера изображения присущие импрессионизму имели место в творчестве и таких выдающихся русских художников как Борисов-Мусатов, Богданов Бельский, Нилус. Классические каноны французского импрессионизма в картинах русских художников претерпели некоторые изменения, в результате чего данное направление приобрело самобытную национальную специфичность.

Зарубежные импрессионисты

Одним из первых произведений, выполненных в стиле импрессионизма, считается картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве», выставленная на суд публики в 1860 году в парижском «Салоне отверженных», где могли демонтироваться полотна, не прошедшие отбор Парижского салона искусств. Картина, написанная в стиле, кардинально отличавшемся от традиционной манеры изображения, вызывала массу критических замечаний и сплотила вокруг художника последователей нового художественного направления.

(Эдуард Мане «В кабачке папаши Латюиля»)

К наиболее известным художникам-импрессионистам относят Эдуарда Мане («Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей»), Клода Моне («Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», ««Бульвар Капуцинок», серия работ «Водяные лилии», «Впечатление. Восходящее солнце»), Альфреда Сислея («Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной»), Пьера Огюста Ренуара («Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно»), Камиля Писарро («Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе», «Въезд в деревню Вуазен»), Эдгара Дега («Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем», «Любители абсента»), Жорж Сера («Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы») и других.

(Поль Сезанн «Пьеро и Арлекин«)

Четверо художников в 90-х годах 19 века создают новое направление в искусстве на основе импрессионизма и называют себя постимпрессионистами (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри де Тулуз-Лотрек). Для их творчества характерно передача не мимолетных ощущений и впечатлений от окружающего мира, а познание подлинной сути вещей, которая скрыта под их внешней оболочкой. Их наиболее известные произведения: Поля Гогена («Озорная шутка», «La Оrana Maria», «Борьба Иакова с ангелом», «Желтый Христос»), Поля Сезанна («Пьеро и Арлекин», «Большие купальщицы», «Дама в голубом»), Винсента Ван Гога (Звездная ночь», «Подсолнухи», «Ирисы»), Анри де Тулуз-Лотрека («Прачка», «Туалет», «Обучение танцу в Мулен-Руж»).

Импрессионизм в скульптуре

(Огюст Роден «Мыслитель»)

Как отдельное направление в архитектуре импрессионизм не сложился, можно найти его отдельные черты и признаки в некоторых скульптурных композициях и памятниках. Скульптуре данный стиль придает свободную пластику мягких форм, они создают удивительную игру света на поверхности фигур и придают некоторое ощущение незавершенности, скульптурные персонажи часто изображены в момент движения. К произведениям в данном направлении относят скульптуры знаменитого французского скульптора Огюста Родена («Поцелуй», «Мыслитель», «Поэт и муза», «Ромео и Джульетта», «Вечная весна»), итальянского художника и скульптора Медардо Россо (фигуры из глины и гипса залитые для достижения уникального светового эффекта воском: «Привратница и Сводня», «Золотой век», «Материнство»), русского гениального самородка Павла Трубецкого (бронзовый бюст Льва Толстого, памятник Александру III в Петербурге).

Источник

ru_art links

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. Часть 3. ИМПРЕССИОНИЗМ.

« previous entry | next entry »
Nov. 11th, 2013 | 09:35 pm
posted by: vanatik05 in art_links

Вот и добралась, наконец, до своей с юности любимой темы, которой посвящаю основное время в поездках по странам, в чтении книг и «копании» в интернете – ИМПРЕССИОНИЗМ. До этой поры я была знакома только с европейским вариантом этого направления в живописи, работая же над этим материалом, поразилась тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит.

Особенностью американского импрессионизма является выбор сюжетов: лиричных пейзажей, сентиментальных сцен с женщинами и детьми, сцен работы и коммерции, интимные сцены домашнего уюта – выбор этот, в отличие изображения каждодневной жизни города, его улиц, театров и кафе французскими импрессионистами, связан с протестантской этикой, национальными чертами американцев.

Кроме того, «американские художники считали самоценностью сам импрессионистический метод, а понимание импрессионизма как способа мировосприятия приходит лишь в начале ХХ века». (Сосницкая О. А. «ИМПРЕССИОНИЗМ В ИСКУССТВЕ США: ОСОБЕННОСТИ СТАНОВЛЕНИЯ И РАЗВИТИЯ», Киев, 2012)
В 70-х годах 19 века многие начинающие американские художники уезжали получать образование в Европу и не могли не попасть под влияние нового, расцветающего там направления в живописи – импрессионизма, который в Америке к концу девятнадцатого века тоже пустил свои корни не на пустом месте. Базой для его развития стала мощная школа реалистической живописи, сложившаяся во второй половине века, и пейзажная живопись художников «Школы реки Гудзон. Важной вехой в развитии импрессионизма в Америке стала выставка французских импрессионистов в 1886 году, где было представлено более 300 работ «классиков» течения. Прорыв живописи импрессионистов в США привнес множество новых идей и техник в творчество американских художников. Основанная еще в 1877 году Ассоциация американских художников поддерживала материально молодых художников, обучавшихся в Европе.

Одним из основоположников американского импрессионизма был Уильям Мерритт Чейз (1849-1919).

Он родился в семье местного купца, работал продавцом в семейном бизнесе, рано проявил интерес к искусству, обучался сначала у местных художников-самоучек и продолжил свое образование в Национальной Академии дизайна. Его талант заинтересовал одного богатого мецената, и он послал молодого Чейза на двухлетнее обучение в Европу, предложив за это подобрать там для своей коллекции картины европейских художников. Чейз учился в Мюнхене, побывал в Италии и вернулся в Америку уже умелым, представлявшим новое направление в живописи, европейски образованным художником.

Кроме творчества он увлекся преподавательской работой, учил своих студентов пленэрной живописи, сам пробовал себя и в портрете, и в натюрморте. Сегодня его работы имеются в большинстве американских музеев.

Мэри Кассат (1844-1926)

из семьи брокера и дочери банкира, рано начала ездить с родителями за рубеж, побывала во многих европейских столичных музеях. Семья была против ее занятий живописью, но она начала обучение живописи в Америке и продолжила самостоятельно учиться в музеях Италии, а в Париже вместе с Камилем Писсаро.

Творчество и знакомство с Дега привело ее к импрессионизму, она полюбила пастель, участвовала в выставках.

Фредерик Чайльд Хассам (1859-1935) начал рисовать с детства, посещал уроки рисования, а позже стал учеником гравера по дереву, где и проявился его художественный талант. В 20 лет он начал писать маслом, но его любимым средством живописи была акварель. В начале своего творческого пути он в основном выполнял иллюстрации для журналов: рисовал городские виды, писал пейзажи на пленэре. Во время своей первой поездки в Европу Хассам был потрясен богатством и разнообразием европейского художественного наследия, а после второй поездки решил вплотную заняться живописью, оставив иллюстрации.

Он уезжает с женой в Париж, берет там уроки рисования, парижские улицы становятся темой его картин, а техника все больше склоняется к импрессионизму.

Вернувшись в Америку Хассам продолжает писать городские пейзажи, тщательно избегая бедных кварталов, и сельские виды Коннектикута и Массачусетса.

Уехав во время кризиса конца века в Европу, он изучает работы старых мастеров, много пишет, а палитра становится светлее и легче.

Джон Сингер Сарджент (1856-1925), родился в семье врача во Флоренции, где его родители оказались проездом,

они много времени проводили в Европе, мать верила в то, что посещение музеев и храмов даст детям достаточное образование. Мать сама была прекрасным художником- самоучкой, да и отец иллюстрировал медицинские журналы. Мальчик рано начал рисовать, копируя изображения морских пейзажей и судов из журналов. Не получив регулярного образования, он тем не менее говорил на нескольких языках и был знаком с творчеством великих мастеров. После обучения у молодого Карла-Дюрана Сарджент был принят в Школу изящных искусств в Париж, занимался самообразованием, рисовал в музеях,

побывал в Италии, в Испании «заболел» Веласкесом, познакомился с Дега, Роденом, Моне, общался с американскими художниками. Первоначальное увлечение пейзажем сменилось интересом к портретам, которые принесли ему славу и высокие заработки. Он жил и рисовал в Париже, Италии, Америке, Лондоне, где у него была своя студия.

Сарджент считается ведущим портретистом своего времени в реалистическом стиле, а пейзажи и сцены на пленэре он писал в импрессионистском, он написал за свою жизнь около 900 картин, более 2000 акварелей, огромное количество эскизов и рисунков углем.

Джон Генри Тоуктмен (1853-1902), родился в Цинциннати и там же получил свое первое художественное образование. Как и многие его соотечественники, решил продолжить обучение в Европе, сначала в Мюнхене, а позже в Париже, побывал в Венеции,

изучал литографию, рисовал на пленэре, писал маслом и акварелью. В 1886 году Тоуктмен вернулся в Америку и поселился в Коннектикуте, в колонии художников, играя там важную связующую миротворческую роль благодаря своему общительному и спокойному характеру.

В течение жизни его техника изменялась, но основное, импрессионистическое, направление преобладало в его пейзажах, изображавших окрестности, его сад и хозяйство.

Умер Тоуктмен скоропостижно от аневризмы в мозгу в возрасте 49 лет, оставив после себя множество акварелей, гравюр и картин маслом.

Теодор Робинсон (1852-1896), один из первых американских импрессионистов, известен своими пейзажами, некоторые его работы признаны шедеврами американского импрессионизма.

Начальное художественное образование он получил в Чикаго, затем в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, а затем отправился в Париж в Школу изящных искусств, где впервые выставил в салоне свои картины.

После поездки по Италии Робинсон вернулся в 1879 году в Америку, его работы тех лет ближе к реализму, изображают людей, занятых трудом. Через пять лет он уехал опять во Францию и провел там 8 лет, живя в Живерни, подружившись с Клодом Моне и вдохновляясь его творчеством.

Там он создал те работы, которые историки искусства считают его лучшими картинами – окрестности при различной погоде в традиции пленэра. Вернувшись в Америку, Робинсон много преподает в разных художественных школах, его авторитет импрессиониста влияет на многих начинающих художников. Он всю жизнь вел дневники, которые представляют большой интерес для искусствоведов и хранятся в Коллекции Фрика. В последний год своей жизни он написал эссе о Коро и Моне, снабдив их своими иллюстрациями. Он умер от приступа астмы в самом расцвете своего таланта.
Эдмунд Чарльз Тарбелл (1862-1938) родился в семье эмигрантов из Англии, его отец умер от брюшного тифа, когда ребенку был всего год, мать вторично вышла замуж и оставила двоих детей на воспитание своим родителям. Тарбелл получил первичное художественное образование в вечерней школе искусств в Массачусетсе, затем работал в Литографической компании и поступил в Школу при Музее искусств в Бостоне.

Его талант заметили и предложили продолжить образование в Париже. В 1883 году он начинает там свое обучение, много копирует старых мастеров в Лувре и одновременно попадает под влияние движения импрессионистов, что сказалось на его дальнейшем творчестве.

Тарбелл путешествует по Италии, Германии, Бельгии и Франции, а вернувшись 1885 году в Бостон, работает художником-оформителем и дает частные уроки рисования. Он давал своим ученикам не только серьезную теоретическую базу, но и обучал разным техникам живописи и даже скульптуре. Его влияние на развитие импрессионизма в Бостоне было настолько велико, что его последователей даже называли «тарбеллистами».

Возвратившись в Нью-Йорк, Вейр впервые участвовал в выставке в Национальной академии, писал портреты и преподавал. Постепенно он начинает терять свое стойкое отвращение к импрессионизму и даже приобретает две картины Эдуарда Мане. Вейр покупает ферму в Коннектикуте, на которой очень любит бывать и рисовать пейзажи,

знакомится там с художниками Рейдером и Тоуктменом, с которым вместе выставляется и удачно продает картины. Постепенно к 1891 году его работы все яснее говорят о принятии им импрессионистического стиля,

его палитра становится более легкой и пастельной, а выставка 1893 года выставка, в которой участвовали и работы Клода Моне, показала, что мир искусства Америки обогатился новым направлением в живописи. Сегодня работы Джулиана Вейра находятся в коллекциях крупнейших музеев.
Фрэнк Уэстон Бенсон (1862-1951) родился в Салеме, в семье известного хлопкового брокера, уделявшего большое внимание развитию своих детей и выделявшего даже еженедельное пособие на их увлечения. От своего деда-капитана мальчик заразился любовью к морю, уже в 12 лет самостоятельно управлял парусником.

а к совершеннолетию родители сделали ему подарок – деньги на учебу в Европе, и он поехал в Париж в Академию Жюльена. После учебы он отправился в Лондон, на него оказали большое влияние работы Вермеера и Веласкеса как портретистов, а работы Клода Моне сыграли свою роль позже в развитии собственной импрессионистской манеры – в цветовой палитре и изображении «отраженного света». Бенсон долгое время работает в реалистическом стиле, а его акварели напоминают работы Уинслоу Хомера.

Только после присоединения к «Десяти американским художникам» (см. ниже) он отходит от декоративной живописи (росписи для Библиотеки Конгресса) и аллегорий к пленэрной живописи в импрессионистском духе.

Его картина «Сестры» стала прелюдией к дальнейшему успеху в ближайшие 20 лет. Благодаря своей преподавательской деятельности, своему творчеству и активности в профессиональных организациях художников, он становится одним из лидеров американского импрессионизма.

Роберт Льюис (Рид) Рейд (1862-1929) родился в Стокбридже, обучался в Школе Музея изящных искусств в Бостоне, затем в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, а в 1885 году отправился в Париж учиться в Академии Жюльена.

В своих ранних работах он изображал в основном французских крестьян. Вернувшись в Нью-Йорк, преподаёт и пишет портреты главным образом молодых женщин в окружении цветов,

создает декоративные росписи и витражи. Его работы есть в Библиотеке Конгресса, здании парламента в Бостоне, в Апелляционном суде Нью-Йорка, а на Парижской выставке 1900 года американский павильон был украшен его фресками. К сожалению, некоторые его работы утеряны, например 8 огромных фресок Дворца изящных искусств для Международной выставки в Сан-Франциско, украшавших потолок ротонды, исчезли после его восстановления.

Уиллард Лерой Меткальф (1958-1925), родился в рабочей семье, уже в 18 лет открыл студию в Бостоне и сумел получить стипендию в Школе Музея изящных искусств. В 1882 году молодой Меткальф провел выставку в Бостоне и сумел, удачно продав картины, финансировать свою учебу в Париже.

Пять лет он учился и путешествовал, побывал в Лондоне, рисовал в Живерни в традиционной манере сцены из крестьянской жизни, поездил по Алжиру и Тунису.

Вернувшись в Америку, он вскоре открывает студию в Нью-Йорке и работает художником-портретистом, иллюстратором и педагогом. Он вместе с друзьями-художниками из группы «Десяти» участвует в росписи фресок для здания суда в Нью-Йорке, пишет пейзажи,

характеризующиеся легкостью палитры и свежестью исполнения. Позже, часто проводя зимы в Корнише, он пишет много снежных пейзажей,

живет и рисует в Вермонте, Коннектикуте и Мэне, успешно участвует в выставках и сам проводит свои персональные выставки.

Импрессионизм некоторое время не был признан в США, многие художники, коллекционеры и продавцы не воспринимали это новое художественное явление, но такие активные художники, как Чейз, Хассам, Сарджент и другие смогли легализовать импрессионизм в американском культурном обществе, их картины начали покупать крупнейшие музеи. Большую роль в становлении американского импрессионизма сыграла группа «Десять художников», в которую входило большинство из упомянутых мною живописцев. В 1897 году они вышли из Ассоциации американских художников из-за пренебрежительного, как они считали, отношения к новому направлению в живописи и излишней коммерциализации выставок.
Создателями группы «Десяти» были Фредерик Хассам, Джулиан Вейр и Джон Тоуктмен, вскоре к ним присоединились и другие художники из Нью-Йорка и Бостона, а также из Калифорнии. Им удалось провести более 10 удачных выставок, группа просуществовала около 20 лет и прекратила свою деятельность из-за потери интереса к импрессионизму, естественному уходу его проводников и появлению в Америке новых направлений в искусстве.
Но в 50-х годах ХХ века интерес к импрессионизму возродился и в Европе, и в Америке и продолжается по сегодняшний день особенно в пленэрной живописи
Продолжение следует…
Слайдшоу по теме с гораздо большим количеством репродукций и музыкой:

Источник